Im Rahmen unseres Kursprogramms im Senioren Netz Erlangen habe ich im Januar eine zweistündige Schulung (online) gemacht. Für mich war dieses Thema die bisher größte Herausforderung bei fotografischen Themen. Meine Recherchen und Themensammlungen haben mehr als 6 Monate gebraucht. Aber ich denke, dass es sich für alle Teilnehmer am Workshop gelohnt hat hier mitzumachen. Den Workshop habe ich als Zoom-Meeting aufgezeichnet und nun dieses Video ein wenig aufbereitet, damit ich es bei YouTube online stellen kann.

Script zum Kurs

Wie immer habe ich ein Script mit 27 Seiten erstellt, das die Teilnehmer alle erhalten haben. Auf meiner Downloadseite kann das Script kostenlos heruntergeladen werden.

Praxiskurs Tonwerte in der Fotografie

Am 25.05. gab es einen weiteren Praxiskurs zu diesem Thema, wo ich wieder meine Erfahrungen im Umgang mit den Tonwerten in Lightroom und Photoshop gezeigt habe. Hier ist nun wieder die Azfzeichnung, die ich aber Aufgrund von Anregungen der Teilnehmer ein wenig überarbeitet haabe.

Das war wieder ein interessanter Lightroom/Photoshop-Workshop diese Woche. Da waren Fragen zum TK8-Plugin zu „Darks/Lights-Triple Play“, zu der Behandlung von nahezu ausgebrannten Details in Wolken und die Frage, wie sich bei SW-Bildern der Himmel bestmöglich abdunkeln lässt. Auf diese Frage hatte ich mich schlecht vorbereitet und habe deshalb im Anschluss ein kleines YouTube-Video erstellt (ist unten verlinkt). Hier will ich die Schritte für Lightroom und Photoshop noch einmal kurz zusammenfassen.

Himmel abdunkeln in Lightroom

Im Grunde genommen ein einfacher Schritt bei der Schwarzweiß-Umwandlung von Bildern. Im Video zeige ich das anhand meiner selbst erstellten SW-Profile für eine Vielzahl bekannter analoger Filme und habe in diesem Beispiel den „Rollei IR 400“ gewählt. Von diesem bekannten Infrarotfilm weiß ich, dass er sehr hohe Kontraste liefert und auf Reglereinstellungen gut anspricht. Im Vorfeld des Videos habe ich aber gleich gute Ergebnisse mit dem „Rollei Retro 80s“, dem „Agfa APX 25“ und sogar mit einer schlichten „Schwarzweiß“-Einstellung aus dem Adobe Vorgaben Menü erzielt. Der meist blaue Himmel lässt sich in allen Fällen mit dem „Blau“ Regler aus dem schwarzweiß Menü sehr gut abdunkeln. Mit ein wenig weiteren Anpassungen aus dem Kalibrierung-Menü lässt sich, wie im Video gezeigt, der Rest wie gewünscht ergänzen. Wer meine SW-Profile möchte, kann sich die von dieser Seite  herunterladen (meine-schwarzweiss-profile).

Beispiel mit Wolken

Ein zweites Bild von Ulrike war mit zusätzlichen Wolken im Himmel, die aber erhalten werden sollten. Dieses Bild ist nicht im Video gezeigt, weshalb ich hier kurz darauf eingehen will. Auch hier nicht zu vergessen, den Bild-Modus in Photoshop von 8 auf 16 Bit umzustellen, auch wenn das Bild dann mehr als doppelt so viel Speicherplatz benötigt. Hier zeigt sich dann doch der Vorteil von Photoshop. Mit den verschiedenen Ebenen (layer) lassen sich gezielt die kritischen Bereiche einzeln optimal in Helligkeit und Tonwert anpassen. Der letzte Feinschliff erfolgt am Ende mit Dodge&Burn bei vorab ausgewählten Helligkeitsbereichen über eine Maske. Das ist Tonwertsteuerung vom Feinsten.

In Lightroom habe ich für dieses Bild das Profil „Rollei Ortho 25“ verwendet und konnte über die Reglereinstellung bei Schwarzweiß, Kalibrierung und in den Grundeinstellungen schon ziemlich viel erreichen. Mit einer letzten Anpassung über die Gradationskurve konnte ich dann auch gute Schwarzwerte erzielen, aber die Bearbeitung in Photoshop ist doch besser geworden. Wer eine Kopie meiner Bearbeitungen mit allen Ebenen in Photoshop bzw. den Reglereinstellungen in Lightroom haben möchte, kann sich gerne an mich wenden (Kontaktseite). Für die Lightroom Bearbeitung muss dafür aber das entsprechende Profil aus meiner Sammlung auf eurem Rechner verfügbar sein.

Vergleich der LR/PS Bearbeitung

YouTube Video

Gleich zu Beginn der Hinweis, dass das eine genau für mich passende Konfiguration ist, die meine Kriterien der Arbeit auf meinem Laptop berücksichtigt. Für andere Leser kann das als Basis dienen, wenn die Anforderungen ähnlich sind. Das kann dann die eigene Entscheidung unterstützen oder eine Anpassung erforderlich machen.

Zu 95 % arbeite ich auf meinem gut konfigurierten Desktop PC (Prozessor Intel(R) Core(TM) i5-9600K CPU @ 3.70 GHz, installierter RAM 80,0 GB). Alle internen Laufwerke sind schnelle SSDs. Für die mehr als 100 000 Bilder habe ich aktuell 2 SSDs und zusätzlich eine eigene SSD für den Lightroom Katalog.

Auf dem nun 8 Jahre alten Lenovo Yoga Laptop (Prozessor Intel(R) Core(TM) i7-4500U CPU @ 1.80 GHz, installierter RAM 8,00 GB) macht die Arbeit mit Lightroom und Photoshop keinen Sinn mehr. Verwendung fand dieses Gerät jeweils nur auf Reisen, im Urlaub und bei Schulungen bei uns im Seniorennetz Erlangen. Aber um aktuell mit LR/PS was zu zeigen, dauert der Vorgang einfach viel zu lange. Das ist bei 8 GB, der im Lenovo nicht aufrüstbar ist, kein Wunder. Die interne Festplatte ist inzwischen zwar eine SSD, aber das allein hilft nichts. Schon allein nach dem Starten des Rechners ist die Hälfte des Arbeitsspeichers bereits belegt und für LR/PS stehen dann gerade mal die restlichen 4 GB zur Verfügung. Und auch der Prozessor wird vom Betriebssystem immer mit Hintergrundaufgaben beschäftigt, womit das Arbeiten mit LR/PS zu langsam wird. Im Februar 2014 hat das für damalige Verhältnisse gut ausgestattete Gerät 1370 € gekostet.

Anforderung an den neuen Laptop

Der neue Laptop sollte also wieder primär meine Ansprüche auf Reisen und für Schulungen erfüllen. Die technischen Anforderungen, die ich mir hierzu zunächst selbst  mal vorgegeben hatte, orientierten sich an meinem Desktop-PC mit möglichst viel Speicher und einer schnellen SSD für die Bilder. Ein Intel 7 Prozessor der Generation 11 oder 12 ist heute meist Standard bei den gut ausgestatteten Büro-, Spiel- oder Media Rechnern. Dann wollte ich auch noch auf eine gute Monitorqualität achten. Aber all das war dann doch nicht so einfach aufzulösen. Ich hatte mich volle vier Tage mit Tests herumgeschlagen, habe mir Konfigurationen bei verschiedenen Herstellern zusammengestellt (Dell, Lenovo, Schenker und MacBook) und habe mir Angebote aus Online-Shops zurechtgelegt. Die Ausstattung, die ich wollte (32 GB Arbeitsspeicher plus 2 TB M.2 SSD), dazu ein guter Monitor waren preislich deutlich über 2000 €, wobei es nach oben auch über 5000 € gehen konnte. Nach dem verlängerten Osterwochenende war ich mehr als unschlüssig, was ich wirklich wollte. Also beschloss ich, mir die Geräte im lokalen Handel direkt anzusehen. Das galt ganz besonders für den Monitor, bei dem ich nicht entscheiden konnte, ob es ein hochauflösendes 4K Display mit 3840 x 2160 sein muss, oder ob ein HD Monitor mit 1920×1080 auch genügt.

Besuch im Elektronikmarkt

Im lokalen Elektronikmarkt warf ich also zuerst meine Blicke jeweils auf das Display. Der freundliche und auch kompetente Verkäufer schaltete mir nacheinander alle von mit gewünschten Geräte ein. Dabei wurde eines für mich sofort klar: 4K ist nicht notwendig, sondern ist sogar hinderlich. Um überhaupt noch eine Schrift auf den kleinen 13 bis 14 Zoll (ca. 36 cm) Monitoren lesen zu können, wäre dazu ein Vergrößerungsfaktor von 200 % oder mehr erforderlich gewesen. Wozu soll der 4K-Monitor dann nötig sein? Selbst die HD-Monitore haben erst bei 125 % ein gut lesbares Schriftbild ergeben. Dann hatte ich noch OLED Monitore im Visier, die in Testberichten teilweise gute Kriterien bekommen hatten. Da war ich bei der Ansicht der ausgestellten Geräte dann sehr schnell davon überzeugt, dass es sowas sein sollte. Die Farben und Kontraste sind einfach super. Kein Kriterium war für mich die Frage, ob die Oberfläche glänzend oder matt sein sollte. Der alte Lenovo hatte ein mattes Display und ich war immer damit zufrieden. Aber ich habe auch Tablet Geräte zu Hause mit glänzender Oberfläche und konnte feststellen, dass das absolut kein Nachteil mehr ist.

Jetzt kam dann die Diskussion mit dem Verkäufer auf den Arbeitsspeicher und die interne Festplatte zu sprechen. Das 13″ Asus ZenBook, das in der Auslage war, hatte nur 16 GB Arbeitsspeicher und eine 256 GB M.2 SSD an Bord. Der Speicher ist fest verlötet und nicht aufrüstbar. Da dieses Asus Gerät aber zwei Thunderbolt Anschlüsse hatte, war die Frage nach der internen Festplatte schnell geklärt; mit diesem Anschluss lässt sich auch auf einer externen Festplatte so schnell arbeiten wie mit einer internen. Es liegt dann eben noch ein kleines Kästchen mit der SSD neben dem Rechner und belegt einen von zwei Thunderbolt 4 Ports. Beim Arbeitsspeicher habe ich mich dann von der Kompetenz des Verkäufers überzeugen lassen, der mir versicherte, dass die 16 GB auch für Lightroom und Photoshop ausreichen würden. Dazu unten gleich mehr.

Ich wollte mich im Grunde nur umsehen, was an Geräten für mich wirklich infrage kommt und bin dann nach 45 Minuten Beratung mit dem Asus ZenBook (Prozessor 11th Gen Intel(R) Core(TM) i7-1165G7 @ 2.80GHz, installierter RAM 16,0 GB, OLED-Display 1920×1080) nach Hause gegangen. Als Ausstellungsware war das Gerät von ehemals 1500 auf 897 € herabgesetzt gewesen (es war sogar noch ein zweites im Lager verfügbar). Dann hat mich der Verkäufer auch noch von einer Zusatzversicherung für 139 € überzeugt und die externe Festplatte kam mit 220 € auch noch dazu. Zusammen war das mit 1257 € etwa der gleiche Preis wie mein alter Lenovo aus dem Jahr 2014 mit 1370 €. Windows 10 Home habe ich inzwischen auf Windows 10 Pro und weiter auf Windows 11 Pro aufgerüstet. Und mit dem Adobe Foto Abo aus der Cloud war auch ziemlich schnell diese Installation erledigt.

Geht Lightroom und Photoshop mit 16 GB Arbeitsspeicher?

Aber wie würde ich mit LR/PS arbeiten können, mit nur 16 GB Arbeitsspeicher? Der Verkäufer hatte nicht ganz recht, lag aber auch nicht ganz falsch. Wie üblich achtete ich zu Beginn nicht darauf, welche anderen Programme ich geöffnet hatte, als ich Lightroom startete. Und es kam, was kommen musste, die Speicheranzeige im Task-Manager stieg bis knapp zur 16 GB Grenze. Ich ahnte bereits, was kommen musste, wenn ich das Bild nun im Photoshop öffnen würde. Der Speicher war voll. Aber niemand arbeitet ja tatsächlich an einem Bild mit zwei Programmen gleichzeitig. Wird Lightroom geschlossen und auch alle anderen geöffneten Programme, halbiert sich die Speicherauslastung. Also ist das in Zukunft meine neue Arbeitsweise mit diesem neuen Laptop, dass ich einfach immer nur entweder Lightroom oder Photoshop geöffnet halte. Damit bleibt in Photoshop genug Reserve beim Arbeitsspeicher für neue Ebenen und Masken.

Wer allerdings seinen Laptop als Standard-Arbeitsgerät einsetzen will und keinen normalen Desktop-Rechner hat, sollte vielleicht doch darauf achten, ob nicht 32 GB Arbeitsspeicher besser sind. Und da stellt sich ja auch die Frage nach einen externen Monitor und eine extra Tastatur. Der Laptop ist dann vielleicht in einer Dockingstation auf dem Schreibtisch und wird nur für die Reise daraus entfernt. Für mich sind das aber alles keine Fragen, um die ich mich kümmern muss, weil ich das hier gerade auf meinem Desktop-Rechner schreibe, auf dem momentan neben Lightroom und Photoshop auch noch zwei Browser, ein Texteditor, das E-Mail-Programm, Spotify und mein Korrekturprogramm geöffnet sind und trotzdem läuft alles flüssig.

Hier sind noch einige Bilder zur Speicherauslastung:

Es gibt für Photoshop auch Plugins, die mit einem Klick eine Einstellungsebene für D&B erstellen und die Pinsel entsprechend ihrem Zweck auswählen: weiß für abwedeln (dodge) und schwarz für das Nachbelichten (burn). Es können dabei entweder eine blanke Ebene oder eine Ebene mit einer 50 prozentigen grauen Fläche verwendet werden, die entweder in den Mischmodus „Weiches Licht“ oder „Ineinanderkopieren“ versetzt werden. Ich bevorzuge eine graue Ebene, da hier die Pinselstriche einfacher erkennbar sind als in einer blanken Ebene.

Eine weitere Variante ist die Verwendung von Gradationskurven mit schwarzer Maske im Ebenenmodus „Normal“. In einem Fall macht die Kurve eine Erhöhung der Helligkeit im Bild (dodge) im anderen Fall eine Abdunklung (burn). Aber für mich sind das normale Anpassungen, die während der Bildbearbeitung notwendig sind.

Eine echte Dodge&Burn Funktion hat aber Photoshop zusätzlich mit dem D&B-Werkzeug oder D&B-Tool, wie es auch genannt wird. Da ist aber zu beachten, dass dieses Werkzeug sinnvollerweise nur auf einer „Pixelebene“ eingesetzt werden sollte. Die Verwendung in einer Einstellungsebene wird zwar von manchen Plugin-Entwicklern propagiert, macht aber aus meiner Sicht keinen Sinn. Einige dieser Zusammenhänge zeige ich in meinem aktuellen YouTube-Video (s.u.). Für mich ist diese direkte Methode mit dem D&B-Werkzeug von Adobe eine häufig genutzte Funktion, die ich regelmäßig in meinen Luminanzmasken verwende. Dort zeigt sich sehr schnell und eindeutig die Auswirkung des Werkzeugbereiches bei den Lichtern, Mitteltönen und den Schatten. Je nach Einstellung der Belichtungsstärke kann ein Grauschleier entfernt werden, oder dunkle Bereiche zusätzlich abgedunkelt werden, um die Wirkung der Maske anzupassen.

Aber auch im Bereich des (fast) fertigen Bildes nutze ich es für letzte kleine Anpassungen der Tonwerte. Das ist dann der Zeitpunkt, der meine Erinnerung an die analoge Zeit wieder aufleben lässt. Letzte feine, kaum sichtbare Anpassungen im Bild, die mit anderen Techniken sonst nie zu erreichen wären.

Die Zeiten der analogen Fotografie waren für mich sehr lehrreich. Da ich bereits mit ca. 10 Jahren mit dem Fotografieren begann, ist die Spanne meiner analogen Phase mit über 45 Jahren deutlich länger als die mit der digitalen Kamera, die vor ca. 15 Jahren begann. Nun habe ich diese Woche meinen alten Ordner mit den Negativen meiner Pseudo-Solarisationen gescannt und natürlich muss ich hierzu einen kleinen Beitrag verfassen.

Pseudo-Solarisation

Pseudo-Solarisation, auch als Sabattier-Effekt bekannt, ist ein Phänomen in der fotografischen Dunkelkammer, wenn der Film (Negativ) oder das Fotopapier (Positiv) während der Verarbeitung diffus nachbelichtet und anschließend ausentwickelt wird. Oft wird der Begriff Pseudosolarisation gekürzt in Solarisation und die Technik der Herstellung heißt dann solarisieren. Jedoch ist der echte Solarisationseffekt, der in der Kamera bei extremen Überbelichtungen auftritt, nicht mit der Pseudosolarisation verwandt. A. Sabatier hat bereits 1862 diesen Effekt beschrieben, ohne aber eine Erklärung hierzu liefern zu können. Sein Name wurde fälschlicherweise mit Doppel-t geschrieben und so hat sich die Bezeichnung Sabattier-Effekt trotzdem bis heute gehalten.

Der Effekt wurde zwischendurch immer wieder von Fotokünstlern „neu“ entdeckt, meist durch Zufall, wenn während der Negativ-Positiv-Entwicklung versehentlich das Licht eingeschaltet wurde. Geradezu berühmt wurde damit Man Ray mit seiner geliebten Lee Miller, zu dem auch eine sehr rührende Geschichte auf YouTube zu finden ist.

Meine eigene Technik

Der Effekt auf Fotopapier hat mich selbst nie richtig gereizt, da die Umkehrung von weiß meist nur ein hässliches Grau ergeben hat. Ich habe deshalb schon früh mit orthochromatischen Filmen experimentiert. Die Planfilme hierzu kamen von Agfa und ich musste mir diese in passende Stücke von ca. 6×9 cm schneiden. So konnte ich vom originalen Negativ eine winzige Vergrößerung auf diese Filmschnipsel machen und im Entwickler beobachten, wann die Schwärzung passend war (wegen der orthochromatischen Emulsion konnte ich in der Dunkelkammer ein Rotlicht verwenden). Die Gradation des Filmes war sehr hart (er kam aus dem Reprobereich) und ich musste deshalb verschiedene Belichtungsstufen einstellen, um unterschiedliche Bereiche des Motivs darzustellen. Meist waren es vier Positive und die hiervon umkopierten Negative, die die Basis für die Pseudo-Solarisationen bildeten. Das war nun der wirklich schwierige Teil der Arbeit und viele Ergebnisse landeten im Papierkorb. Der belichtete Filmschnipsel lag bereits ausentwickelt im Entwickler während für einige Sekunden die Lampe des Vergrößerers für die Zweitbelichtung eingeschaltet wurde. Ab nun gab es verschiedene Varianten, um die feinen Linien am Übergang zur Grundbelichtung zu erzeugen. Entweder man bewegte den Planfilm heftig im Entwicklerbad, bis eine ausreichende Schwärzung der zweiten Belichtung erkannt wurde, oder, was ich meistens machte, man ließ den Film ruhig ohne Bewegung im Entwickler liegen, bis die Schwärzung erreicht war. Das waren damals eben die gängigen Empfehlungen, die wirkliche Theorie dahinter ist heute sicher wissenschaftlich aufgearbeitet. Für mich als Praktiker ist das nicht mehr relevant.

Um nicht nur ein paar wenige Linienmuster zu erhalten, hatte ich ja von meist drei bis vier Negativen die Linienbilder erstellt. Diese musste ich nun übereinander kopieren. Genauso wie mit Ebenen heute in Photoshop, habe ich damals meine Linienbilder eines nach dem anderen auf ein neues Negativ umkopiert. Der Trick war dabei, dass ich mir für die Planfilmschnipsel eine Halterung mit zwei spitzen Nadeln gebaut hatte, wo jedes Filmstück gelocht wurde. So konnte ich immer wieder verschiedene Filme passgenau zusammen kopieren.

Ergebnisse

Einige der Ergebnisse meiner damaligen Experimente sind in der Galerie unten zu sehen. 1985 hatte ich mit diesen (und weiteren) Bildern eine Fotoausstellung in der Schaufenstergalerie der Dresdner Bank. Das war damals für Künstler eine begehrte Location. Heute ist dort die Kneipe Sax zu finden.

Heute nehme ich Photoshop

Die Dunkelkammer ist heute ersetzt durch Lightroom und Photoshop. Und tatsächlich gibt es unter „Filter-Stilisierungsfilter-Solarisation“ einen Effekt mit einem einfachen Klick. Aber das Ergebnis ist aus meiner Sicht völlig inakzeptabel. Möglichkeiten, solche Verfremdungen in schwarzweiß und Farbe zu erzielen geht relativ schnell und einfach mit der Gradationskurve (in Lightroom und Photoshop). Ob man das nun Pseudo-Solarisation nennt oder irgendwie anders ist zweitrangig. Es ist auf jeden Fall ein Experimentierfeld ohne Ende.

Ich selbst musste hier auch erst mal einige Zeit experimentieren, um zu einer Pseudo-Solarisation zu kommen, die meinen Ansprüchen genügt. Wichtigste Voraussetzung ist aus meiner Sicht erst mal ein Bild, das für solche Experimente auch geeignet ist. Das wären aus meiner Sicht Bilder mit klaren Formen und nicht zu viel Strukturen. Alles andere macht nur Frustration (eigene Erfahrung). Ein erstes Ergebnis einer Pseudo-Solarisation und der Weg dahin zeige ich in dem Video am Ende des Beitrags.

Video zur Pseudo-Solarisation mit Photoshop

1. Anwendung meiner Tonwerttafel aus dem Kurs „Digitales Zonensystem“ vom letzten Jahr
2. Umwandlung eines Bildes mit Lightroom
3. Umwandlung eines Bildes mit Photoshop

Zu Punkt eins werde ich zeigen, wie die Tonwerttafel benutzt werden kann, um die Auswirkungen der verschiedensten Regler Einstellungen in Lightroom erkennen zu können und damit bei der Bildbearbeitung auf eine klare Basis zu stellen, anstatt herum zu probieren. Einige Beispiele werde ich hierzu auch mit SilverEfex 2 zeigen, die gegenüber Lightroom viel stärker in den Prozess eingreifen.

Im Punkt zwei dreht sich alles um Lightroom und die Umwandlung eines Beispielbildes in ein Schwarzweißbild. Dabei geht es natürlich weit über die einfache Entfernung der Farbe aus dem Bild hinaus. Wir werden die Unterschiede zwischen Presets (Vorgaben) und Profilen kennenlernen und aufbauend darauf über globale und lokale Bearbeitung das Graustufenbild in ein echtes Schwarzweißbild umwandeln.

Da zum Adobe Foto Abo auch Photoshop gehört, werden wir unser Beispielbild auch damit entwickeln und besonders die unterschiedlichen Startbedingungen gegenüber Lightroom beachten. Wir werden dabei nur die ersten Schritte der Bildbearbeitung mit Photoshop kennenlernen. Zu umfangreich sind die Möglichkeiten, die mit dieser Software möglich sind und ich selbst bin damit auch erst ein Anfänger.

Hier ist das Beispielbild im Original und nach der Umwandlung mit Lightroom und Photoshop.

Einige Beiträge aus meinem Script habe ich bereits in meinem Blog als Beitrag behandelt. So z.B. die 6 Möglichkeiten zur Umwandlung in schwarzweiß mit Photoshop. Hier sind besonders alle Beispielbilder mit den verschiedenen Möglichkeiten zu Umwandlung als Galerie enthalten, die auch im Vollbildmodus des Monitors angezeigt werden können. Im Schript sind die Bilder nur verkleinert und statisch zu sehen; also unbeding hier die Orginalbilder zur Umwandlung ansehen.

Dann gibt es noch einen Beitrag zur Füllmethodentafel und einen ganz aktuellen zu der helligkeitsneutralen Umwandlung von Farbtonwerten in Schwarzweißtonwerte.

Das Script gibt es zusammen mit dem im Kurs verwendeten Beispielbild in voller Auflösung im dng-Format zum herunterladen auf meiner Downloadseite. Sie dürfen das Bild wie im Kurs gezeigt oder mit eigenen weiteren Anpassungen bearbeiten. Aber eine Veröffentlichung ist nicht erlaubt.

Zur download Seite: Script mit Beispielbild zum Kurs „Praxis schwarzweiß Fotografie“ (54,1 MB)

Noch eine Anmerkung zum Schluss: Ich verwende im Kurs das Adobe Foto-Abo. Ich habe aber bereits vielfach mit anderer Software zur Bildbearbeitung gearbeitet und weiß deshalb, dass sich die Optik der Benutzeroberfläche von anderen Programmen unterscheidet. Aber die grundsätzlichen Funktionen zur globalen und lokalen Bearbeitung sind praktisch überall vorhanden.

Helligkeitsneutrale Farbe zu SW-Umwandlung in Photoshop

1. Bei Joel Tjintjelaar „Guide to black and white photography“ über die Methode „Luminosity Blending“ und
2. Der YouTube Kanal von PiXimperfect „Start Shaping Colors with a Secret Code in Photoshop“ über eine Schwarzweiß Mischebene mit dem „secret code (30/89/58/70/11/42)“
3. Neu hinzugefügt (2019-04-10): Verlaufsumsetzung mit Mischebene Farbton, Sättigung oder Farbe

Beide Alle drei Methoden sind perfekt im Ergebnis, aber beim „Luminosity Bleding“ fehlt mir hinterher die direkte Möglichkeit, die Helligkeiten der Farbtonwerte nach meinem Empfinden gleich weiter zu verändern (ich meine damit nur direkt ausgehend von Regler Einstellungen der Mischebene Schwarzweiß oder Kanalmixer; Photoshop bietet dem erfahrenen Benutzer selbstverständlich mehr als das). Mit der zweiten Methode kann ich da sofort über die Farbregler der Einstellungsebene weiter machen. Diese „secret code“ Einstellungen sollte man sich in Photoshop natürlich gleich als eigenes Preset über das Einstellungsmenü der SW-Mischebene abspeichern. Zur Veranschaulichung habe ich diese Methode in meinem oben genannten Beitrag ergänzt.

Wer heute einsteigt und vorhat wirklich gute SW-Umsetzungen seiner Bilder zu machen, kommt nicht umhin, sich über die Helligkeiten im Farbbild Gewissheit zu verschaffen. Denn es sind die Helligkeiten der Farbtonwerte, die in entsprechende Helligkeiten im SW-Bild umgesetzt werden. Über die Farbtonregler der SW-Mischebene kann man diese Helligkeiten seinen Vorstellungen entsprechend anpassen. Deshalb starte ich (zumindest in Photoshop) fast immer von der helligkeitsneutralen Umsetzung des Farbbildes und beginne danach erst mit der Veränderung der Tonwerte, um meine Bildaussage zu erreichen.

Helligkeitsneutrale Farbe zu SW-Umwandlung in Lightroom

Was aber jetzt noch fehlt, ist die Möglichkeit das auch in Lightroom und Adobe Camera Raw (ACR) zu machen. Dank der heute verfügbaren Profile ist das nun auch kein Problem mehr. Aus der Methode mit dem „secret code“ von PiXimperfect kann man sich aus Photoshop die Einstellungen als Look Up Tabelle exportieren und über ACR in ein Profil umwandeln, das dann gleichzeitig auch in Lightroom zur Verfügung steht. Und über meine Downloadseite kann sich das nun jeder herunterladen und damit seine SW-Umsetzungen mit wirklich neutraler Basis starten (oder zumindest prüfen wie es damit wirkt). Das wird in meinem Kurs dann bestimmt noch genauer behandelt.

Zur download Seite: Lightroom Profil für farbneutrale SW-Umwandlung (47 kB)

Hinweis: Profile sind erst ab Version Lightroom CC 1.4 (Release Juni 2018) verfügbar. Bitte vorher prüfen.

Installation in Lightroom/ACR

Lightroom/ACR sollte zunächst geschlossen werden. Prinzipiell kann die Profildatei irgendwo auf der Festplatte liegen, wenn sie, wie unten gezeigt über „Profil importieren“ hinzugefügt wird. Macht man das mit unterschiedlichen Profilen so, weiß man irgendwann nicht mehr, wo was liegt. Deshalb empfehle ich, die Datei im Settings-Ordner von CameraRaw abzulegen (oder in einem Unterordner, wie bei mir gemacht):

C:\Users\willi\AppData\Roaming\Adobe\CameraRaw\Settings\User Presets

Mein individueller Pfad zur besseren Organisation (ich habe auch noch einen getrennten Ordner für Presets):

C:\Users\willi\AppData\Roaming\Adobe\CameraRaw\Settings\User Presets\Profile\wkl_spezial

Wird Lightroom nun wieder gestartet, sollte das Profil bereits sichtbar sein. Falls nicht, oder für den Fall, dass die Profildatei irgendwo auf der Festplatte liegt, muss im Profil-Browser über das plus-Zeichen „Profile importieren“ ausgewählt werden. Im folgenden Dialog wird das Profil ausgewählt und in die Gruppe Benutzer hinzugefügt. Das Profil ist damit in Lightroom und auch in ACR verfügbar.

Das Profil ist nun verfügbar

Anwendung in Lightroom/ACR

Der Stärke Regler ist bei der Auswahl des Profils auf 100 % eingestellt. Verschiebt man diesen nach links, wird wieder die Farbe sichtbar. Nach rechts wollte ich zwar eine Begrenzung einstellen, was mir aber nicht gelungen ist (versuche ich später noch mal). Aber Werte über 100 % ändern nichts mehr an der helligkeitsneutralen Farbumsetzung nach Schwarzweiß. Im Hintergrund ist das Bild nach wie vor ein Farbbild. Das sieht man am Tabulator für „HSL/Farbe“. Hier sind alle Einstellungen für Farbton, Sättigung und Luminanz weiter vorhanden und man kann nun damit das Bild sehr genau seinen Wünschen entsprechend in der Helligkeit der SW-Tonwerte anpassen. Auch die „Dynamik und Sättigung“ in den Grundeinstellungen sind weiter vorhanden. Hier ist meine Umwandlung:

Zur Bildbearbeitung von Raw Fotos bildet Lightroom (LR) und Photoshop ein aufeinander abgestimmtes Tandem. Bezüglich der Raw Bearbeitung kann statt Lightroom auch „Adobe Camera Raw (ACR)“ verwendet werden. ACR und LR sind von den Bearbeitungsmöglichkeiten völlig identisch, obwohl das Userinterface ziemlich unterschiedlich ist. Allerdings hat ACR keine Bildverwaltung. Als Ersatz kann man hier natürlich die Adobe Bridge verwenden. Daher ist mit dem Adobe Photo Abo beides möglich: Lightroom plus Photoshop oder eben Bridge plus ACR plus Photoshop.

Für die Bildbearbeitung nutze ich zu 95 % Lightroom. Nur für besondere Anforderungen nutze ich die zusätzlichen Möglichkeiten von Photoshop.

6 Möglichkeiten zur Schwarzweißumwandlung in Photoshop

Da Photoshop schon sehr lange am Markt ist (siehe Wikipedia), sind auch noch etliche der ursprünglichen Umwandlungsmethoden von Farbe nach Schwarzweiß enthalten. Dazu gehören:

1. Bild/Modus/Graustufen
2. Bild/Modus/Lab
3. Bild/Korrekturen/Sättigung verringern

Hier zeige ich, wie diese Umwandlungen gestartet werden:

Diese Methoden spielen heute keine große Rolle mehr, da sie eine direkte Umwandlung der Bildpixel durchführen, was heute nicht mehr gewünscht wird. Allerdings habe zumindest ich für die „Graustufen“ auch heute noch Verwendung, nämlich dann, wenn ich am Ende der Bearbeitung alle Ebenen zusammengefügt habe. Wird dieses Schwarzweißbild dann über „Graustufen“ umgewandelt, hat es nur noch einen Kanal und somit nur ca. 1/3 seiner Größe mit drei Kanälen (RGB). Abgelöst werden diese ersten drei Methoden heute von den verlustfrei arbeitenden Einstellungsebenen, die auch während des gesamten Bearbeitungsprozesses noch Änderungen erlauben. Das sind die verfügbaren Einstellungsebenen zur schwarzweiß Umwandlung:

4. Kanalmixer-Monochrome
5. Schwarzweiß (Standard)
6. Verlaufsumsetzung

Darstellung im Farbkreis

Hier unten stelle ich diese sechs Methoden anhand eines selbsterstellten Farbkreises vor. Den Umgang mit diesen Methoden werde ich demnächst in einem Workshop im Senioren-Netz-Erlangen (SNE) zeigen. Der Farbkreis ist auf 12 Farben eingeschränkt und lässt so die Unterschiede sehr deutlich hervortreten und im Vergleich bewerten.

In der Slider Galerie lässt sich sehr einfach jedes einzelne Bild mit einem weiteren vergleichen, indem die gewünschten Thumbnails entsprechend angeklickt werden. Das gilt auch für die folgenden Bilder mit der Landschaftsaufnahme vom Weißensee.

Nachtrag 2021-09-13:

Inzwischen ist mir eine helligkeitsneutrale Farbumsetzung wichtig. Das ist möglich mit einer Einstellungsebene „Schwarzweiß“ unter Verwendung des „secret code“ und mit einer Verlaufsumsetzung mit der Glättung 0 % wie in diesem Beitrag gezeigt wird. Die entsprechenden Umsetzungen sind nun oben ergänzt worden.

Darstellung im Landschaftsbild

Das Landschaftsbild enthält das gesamte Farbspektrum und lässt so auch die feinen Abstufungen der Grauwerte erkennen (z. B. der Verlauf im Himmel vom Horizont nach oben). Zum Vergleich ist der Farbkreis und dessen Umsetzung in Grauwerte mit eingeblendet.

Die Landschaftsbilder solltet ihr am Besten im Vollbildmodus des Browsers ansehen (kann mit F11 ein- und ausgeschaltet werden). So sieht man sehr gut die feinen Unterschiede zwischen den verschiedenen Methoden. Im Internet und auf YouTube herrscht fast ein Glaubenskrieg, was denn die beste Methode für die Umwandlung sei. Man muss sich aber erst einmal bewusst machen, dass das ja noch gar kein „Schwarzweißbild“ ist, sondern eben nur eine erste Umwandlung in Graustufen. Es kommt nun auf den Fotografen an, was er/sie aus diesem Ausgangsbild macht und welche Vorstellungen von einem Schwarzweißbild er hier realisieren will.

Bei der Verlaufsumwandlung sind zumindest hier bei diesem Bild die Kontraste schon sehr schön ausgeprägt und bilden für mich einen guten Ansatz für die weitere Bearbeitung zu einem „Fine Art“ Foto. Dazu aber mehr im kommenden Workshop. Das soll auch keine Vorfestlegung sein, denn sowohl beim Kanalmixer als auch bei der Einstellungsebene Schwarzweiß lassen sich die Regler entsprechend dem Motiv gezielt anpassen und damit die Kontraste sehr fein steuern.

Die Stärke von Photoshop kommt ja erst dann zum Tragen, wenn nach der Basisumwandlung weitere Einstellungsebenen hinzugefügt werden, um die Kontraste voll auf das Ergebnis ausgerichtet zu vervollständigen. Daran werden wir im Workshop arbeiten.

Messmodus „Highlight“

Schon bei meinen ersten Vorbereitungen für das Seminar bin ich auf den Messmodus „Highlight“ gestoßen. Aus der Beschreibung im Handbuch wird man leider nicht sehr schlau. In der Life-View Vorschau sieht man entgegen der Beschreibung im Handbuch auch keinen hervorgehobenen Bereich. Und meine Suchmaschine hat nur „einen“ wirklich zutreffenden Beitrag gefunden, der aber ebenfalls nur Allgemeinplätze wiedergegeben hat und leider keine einzige nachvollziehbare Erklärung gegeben hat. Zumindest der Hinweis im Handbuch auf die Vermeidung von Überbelichtungen hat mich dann dazu veranlasst, das mal auszuprobieren.

Im Urlaub am Weissensee gibt es immer wieder Wolkenstimmungen mit der Sonne hinter den Wolken. Das führt sehr schnell zu ausgebrannten Lichtern, wenn man dies nicht vorher gezielt mit der Spotmessung prüft und korrigiert. Bei Spotmessung gehe ich dabei nur bis Zone VI oder maximal VII, je nach Sonnenstand hinter den Wolken.

Vergleichsaufnahmen mit der Einstellung „Highlight“ haben mich von der ersten Aufnahme an überzeugt. Ohne vorherige Spotmessung einfach das Motiv anvisieren und auslösen, egal wie die Sonne steht. Das Histogramm ist dabei zwar ziemlich weit nach links verschoben, aber das muss bei direkter Sonne im Bild auch so sein, damit der ausgebrannte Bereich ein Minimum wird. Ich werde in diesen Modus weitere Testaufnahmen machen und diese auch mit entsprechdenden Aufnahmen mit Spotmessung vergleichen. Nicht immer sind die Erebnisse perfekt, aber meist liegt es daran, dass eben das fotografierte Objekt dafür nicht geschaffen war. Und wer diesen Modus in seiner Kamera nicht hat, muss sowieso bei der Spotmeter Methode bleiben. Fast verschämt sind die Angaben zum Messmodus „Highlight“ in den Metadaten; da steht nämlich nur „other“ bzw. in Lightroom wird es garnicht erst angezeigt (man sucht und sucht und findet nichts).

Aus unserem Belichtungstest zum Zonensystem wissen wir ja, dass sich auch unterbelichtete Bereiche von bis zu -5 Zonen wieder brauchbar darstellen lassen. Wenn dann auch noch die Lichter keine weißen Flecken mehr enthalten, kann man das Ergebnis guten Gewissens vorzeigen.

Jeder, der schon mal stundenlang an einem Bild gearbeitet hat, um die hellen ausgebrannten Bereiche zu korrigieren, hat hiermit eine Lösung, die das von vornherein vermeidet.

Hier sehen wir erstmals in der Sensorentwicklung, dass der Sensor von sich aus erkennt, wo es „brennt“. In Zukunft erwarte ich hier noch mehr, nämlich, dass der Sensor in der Lage ist, den Kontrastumfang entsprechend dem Zonensystem selbst zu ermitteln und dann damit die optimale Belichtung bereits in der Kamera vornehmen kann.

Zonenkamm

Wenn wir die Szene nach der Aufnahme am Bildschirm analysieren wollen, können wir in Lightroom oder Photoshop mit der Maus über das Bild fahren und sehen dann entweder die Prozentwerte der Graustufe (Lightroom) oder den RGB-Wert im Bild (Photoshop). Wollen wir stattdessen unsere Vorstellung der zugehörigen Zone entsprechend dem Zonensystem entwickeln, brauchen wir ein kleines Hilfsmittel. Ein solches habe ich mir aus dem Graukeil zum Zonensystem gebastelt: den Zonenkamm. Diesen kann man sich ausdrucken und auf einem Bild hin und her schieben, oder bereits während der Entwicklung in Photoshop als Ebene laden und dann frei hin und her schieben.

Zuerst wird man sicher nach der Zone V im Bild suchen, die in diesem Bild im Himmel an vielen Stellen zu finden ist. Durch den Lichtreflex der Sonne erstrecken sich die Tonwerte des Himmels von Zone V bis X. Selbst Zone IV ist am linken Rand im Himmel noch vorhanden.

In der Stahlstruktur sieht man, dass selbst große Bereiche der Zone II noch strukturiert sind und nicht nur als dunkle Fläche dargestellt werden. Nur die Spitze des Trägers reicht bis in die Zone I hinunter und wird punktuell auch schwarz (Zone 0). Dazu sollte man in Photoshop ein wenig tiefer ins Bild hinein zoomen.

In Lightroom lässt sich der Zonenkamm leider nicht benutzen, weil man da bislang keine Ebenen bilden kann. Aber alle anderen Bildbearbeitungsprogramme, die Ebenen erlauben, können damit benutzt werden.

Den Zonenkamm könnt ihr hier kostenlos herunter laden.

Für alle, die es genau nachlesen wollen, finden hier mein ausführliches Script (Stand 10.10.2018) als pdf-Datei zum Preis von 6 € nun kostenlos.

Zur download Seite: Licht-und-Belichtung (31MB)

Hier mein Beispielbild zur Messmethode „Highlight“. Hier habe ich vor der Aufnahme keine zusätzliche Spotmessung gemacht. Ja, es gibt ausgebrannte Lichter, die sind aber eng begrenzt und genau so gewollt.

Meine Angaben zu den gemessenen Zonen im Bild oben zum Zonenkamm verstehe ich wieder als Teil der Schulung zur Beurteilung der Zonen gemäß der Tabelle in meinem ersten Beitrag zum Thema „Licht und Belichtung“.

• Der Teil 1 behandelt die Grundlagen analog
• Der Teil 2 behandelt die Kameramodi.
• Der Teil 3 behandelt die digitalen Messmethoden.
• Der Teil 4 behandelt die Spotmessung im Modus A und M
• Der Teil 5 behandelt die Messmethode „highlight“ und den Zonenkamm
• Der Teil 6 behandelt die Belichtungsreihe Zonensystem
• Der Teil 7 behandelt die Forderung nach einem Raw-Histogramm
• Der Teil 8 behandelt die Raw-Belichtungspraxis