Auf meiner Hauptseite habe ich bereits über mein Bild vom Federgras (Stipa pennata) geschrieben. Es besticht durch seine Farben, Formen und Strukturen, die mich emotional sehr berührten. Dieses Bild ist eines von 27, die ich im botanischen Garten in Erlangen aufgenommen und auf ungewöhnliche Weise in Photoshop bearbeitet habe.

Die Bearbeitungsschritte ähneln sich bei allen Bildern. Unterschiede entstehen durch die Anzahl der gleichzeitig geöffneten Ebenen und die Wahl der Mischebenen. Eine feste Anleitung gibt es nicht; jeder muss seinen eigenen Weg finden. Selbst bei einer erneuten Bearbeitung meiner Bildauswahl erziele ich andere Ergebnisse. Kleine Änderungen in der Reihenfolge oder der Bildhelligkeit führen zu unterschiedlichen Resultaten. Das ist gewollt und regt zur kritischen Analyse an. Es gibt kein besser oder schlechter, nur die Frage, was mir am Ende besser gefällt. Das andere Bild kann aufbewahrt oder später gelöscht werden.

Das Beispiel in meinem YouTube-Video zeigt eine „zweite“ Bearbeitung. Die Schritte des ersten Versuchs habe ich aus dem Gedächtnis rekonstruiert. Das Ergebnis ähnelt dem ersten, ist aber nicht identisch. Eine Feinabstimmung von Helligkeit, Dynamik, Sättigung und Vignette wäre am Ende noch nötig gewesen. Das mache ich meist mit etwas Abstand am nächsten Tag, um es besser beurteilen zu können. Meine Bearbeitung dauerte etwa 30 Minuten, im Video ist sie auf 10 Minuten gekürzt. Wer möchte, kann es langsamer abspielen oder pausieren.

Meine wesentlichen Schritte.

Ich verwende mindestens drei und maximal acht Bilder (hier sind es sieben), die aus verschiedenen Richtungen oder Winkeln aufgenommen wurden, manchmal aus unterschiedlicher Entfernung. Die Schärfe variiert auf verschiedenen Punkten. Die ausgewählten Bilder öffne ich in Photoshop als Ebenenstapel. Ein automatisches Ausrichten ist sinnlos, da die Bilder absichtlich versetzt fotografiert wurden. Wie im Video gezeigt, können die Bilder nach Wunsch übereinander geschoben werden. Manchmal überlagere ich Motive ohne Ausrichtung.

Zum Überlagern reduziere ich die Deckkraft und verschiebe die Bilder einzeln in die gewünschte Position. Die unterste Ebene bleibt unverändert. Ich wähle eine Ebene aus, die ich unten platziere, oft eine, bei der das Motiv mittig liegt, damit die anderen Ebenen weniger verschoben werden müssen. Die Ebene mit der besten Schärfe oder dem besten Licht schiebe ich meist nach oben. Das muss aber nicht sein; manchmal ist der Zufall besser.

Nun wähle ich alle Ebenen außer der untersten aus und ändere den Mischmodus von „Normal“ auf Abdunkeln, Aufhellen, Negativ Multiplizieren, Lichtpunkt oder Differenz. Diese Modi wirken meist gut. Das Ergebnis ist erst der Anfang; fast immer ist eine Zusatzbearbeitung mit Kurven nötig. Im Video habe ich meine Midtones- und Gamma-Kurven verwendet, aber jede frei einstellbare Kurve ist möglich.

Das Ergebnis speichere ich wieder als neuen Stapel (Photoshop-Befehl „Strg-Alt-Shift-E“ oder über einen Klick in meinem TK-Plugin, wie im Video gezeigt) und mache mir Notizen dazu. So entstehen mehrere neue Stapel, die ich ebenfalls wieder mit verschiedenen Mischmodi kombiniere, bis ich mein gewünschtes Ergebnis erreiche. Am Ende erfolgt die Feinabstimmung wie oben beschrieben.

Meine Beschreibung und das Video sind nur Anregungen. Jetzt ist eure Fantasie gefragt.

Der Soundtrack zum Video stammt von Thomas Kleinöder.

Hier ist das YouTube-Video:

Ich begann mit der Fotografie im Alter von zehn Jahren, als ich erste Aufnahmen auf Rollfilm in einer Agfa Box machte. Obwohl aus den 1960er-Jahren keine Bilder mehr existieren, erinnere ich mich lebhaft an Motive wie Klassenkameraden und Landschaften. Mein Weg führte danach vom Kleinbildfilm mit Schwarz-Weiß- und Farbmaterialien bis hin zum Großformat 8×10 Inch, das ich ab 1987 nutzte. Die analogen Techniken, die ich dabei erlernte, prägen bis heute meine Arbeit mit digitalen Kameras und in der Bildbearbeitung.

In der Kleinbildzeit stand die Schwarz-Weiß-Fotografie im Mittelpunkt. Sie bot mir die volle Kontrolle über den gesamten Prozess und lenkte den Fokus auf Licht, Kontraste, Formen und Linien. Diese Reduktion schärfte meinen Blick und half mir, eine eigene Bildsprache zu entwickeln. Ich testete Filme und Entwickler ausgiebig, später auch chromogene Schwarz-Weiß-Filme, die im C-41-Prozess entwickelt wurden. Alterungserscheinungen einiger Negative zwangen mich, frühzeitig zu digitalisieren. Parallel dazu sammelte ich Erfahrungen mit Fotopapieren und Abzugstechniken. Einige meiner Arbeiten wurden ausgestellt und ausgezeichnet.

Die intensive Beschäftigung mit Schwarz-Weiß-Fotografie führte mich zu den Klassikern der Fotogeschichte, insbesondere Ansel Adams und Edward Weston. Ihre Werke inspirierten mich, auf das Großformat umzusteigen, das maximale Kontrolle über Belichtung, Entwicklung und Abzug ermöglicht. Workshops bei Peter Gasser und Bob Werling sowie zahlreiche Tests halfen mir, ein eigenes System zu entwickeln. Präzise Lichtmessung und eine durchdachte Arbeitsweise erlaubten es mir, unterschiedlichste Lichtsituationen sicher umzusetzen. Meine Motive wählte ich bewusst: Natur, Stillleben und Szenen aus meinem persönlichen Umfeld.

Die digitale Technik hat inzwischen Sensoren hervorgebracht, die die Qualität von Kleinbildfilmen übertreffen. Mit hochwertigen Objektiven und sorgfältiger Arbeit lässt sich ein Niveau erreichen, das dem Großformat nahekommt. Die digitale Bildbearbeitung ist dabei ein unverzichtbares Werkzeug. Sie erfordert fundierte Softwarekenntnisse und regelmäßige Übung, um das volle Potenzial auszuschöpfen.

Analoge Fotografie heute – im Jahr 2025

Mit acht Jahren Erfahrung in der Schwarz-Weiß-Kleinbildfotografie und weiteren acht Jahren im Großformat verstehe ich, warum viele heute zur analogen Fotografie zurückkehren möchten. Dennoch rate ich davon ab, basierend auf meinen fast 25 Jahren mit digitalen Kameras und Bildbearbeitung. Die Gründe sind klar:

– Digitale Negative bieten eine deutlich höhere Qualität als analoge Kleinbildfilme.
– Die Kosten für analoge Fotografie sind erheblich höher.
– Die Möglichkeiten der digitalen Dunkelkammer sind nahezu unbegrenzt und hängen nur von der eigenen Kreativität ab.
– Alle Aufnahmedaten werden in den Metadaten gespeichert.
– Bilder können in Museumsqualität selbst gedruckt werden.

Mein Selbstversuch

Anfang des Jahres wagte ich einen Selbstversuch: Ich belichtete zwei analoge Filme mit meiner alten Olympus OM-2. Zu meiner Überraschung funktionierte die Kamera nach 40 Jahren einwandfrei – die Knopfzelle hielt noch immer. Das wäre bei einer heutigen Digitalkamera undenkbar. Ich begann mit einem Ilford XP2 400 Schwarz-Weiß-Film, den ich in einem Labor entwickeln ließ, da ich keine eigene Ausrüstung mehr besitze. Mir wurde schnell klar, dass ich von diesem Film nur TIFF-Dateien mit einem monochromen Kanal erhalten würde. Daher bestellte ich zusätzlich einen Kodak Ektar 100 Farbfilm, dessen TIFF-Dateien im RGB-Modus umfangreicher bearbeitet werden können. Die Entwicklung und die hochauflösenden Scans ließ ich bei „MeinFilmLab“ anfertigen. Die Kosten waren im Vergleich zur digitalen Fotografie enorm.

Wer meine anderen Beiträge kennt, weiß, dass ich ein Verfechter des Zonensystems von Ansel Adams bin. Doch mit Kleinbildfilmen ist dieses System nicht umsetzbar. Hier muss man eine durchschnittliche Belichtung wählen, um das Tonwertspektrum im fertigen Bild zu erhalten. Beim Ilford XP2 400 beschränkte sich die Bearbeitung in Lightroom und Photoshop auf einfache Eingriffe wie Abwedeln und Nachbelichten – ähnlich wie im analogen Labor. Mit dem Kodak Ektar 100 stand mir hingegen das volle Spektrum der digitalen Bearbeitung zur Verfügung. Dennoch bleibt ein entscheidender Unterschied: Ein digitales Negativ ist eine RAW-Datei mit dem gesamten Tonwertumfang der Aufnahme. Ein gescanntes Negativ hingegen ist bereits ein Pixelbild, dessen Qualität von der Scannerauflösung und den Einstellungen des Labormitarbeiters abhängt. Wer diesen Prozess selbst kontrollieren möchte, muss zusätzlich in teure Ausrüstung investieren.

Mein Selbstversuch zeigte nur die halbe analoge Fotografie, da ich den Prozess nach der Belichtung aus der Hand geben musste. Danach folgte ein weitgehend digitaler Workflow mit Lightroom und Photoshop. Dennoch war es ein besonderes Erlebnis, das sanfte Klicken der analogen Kamera zu hören und den Verschluss vor jedem Auslösen manuell zu spannen.

Meine Empfehlung für analoge Fotografie

Wer sich für analoge Fotografie begeistert, dem rate ich zum Großformat – am besten gleich 8×10 Inch. Der Vorteil: Man behält die volle Kontrolle über den Prozess. Ein Kontaktabzug genügt, um ein fertiges Bild zu erhalten, das ohne Vergrößerungsapparat an die Wand kann. Zudem lässt sich Ansel Adams’ Zonensystem vollständig nutzen, um feinste Details in Schatten und Lichtern herauszuarbeiten. Literatur und Tipps dazu finden Sie reichlich, auch auf meiner Webseite.

Wer diesen Weg einschlagen will, sollte einen Workshop besuchen, das nötige Material besorgen und gründlich testen. Die Hürden sind hoch, doch sie lohnen sich: Das Ergebnis überzeugt. Wem dieser komplexe Weg zu aufwendig erscheint, dem empfehle ich zumindest einen Color-Negativ-Film. Nach dem Scannen stehen drei Farbkanäle für die digitale Bearbeitung in Lightroom und Photoshop bereit.

Meine Bildbeispiele

Um analoge und digitale Fotografie zu vergleichen, habe ich bei meinen Aufnahmen mit der Olympus-Kamera auch die Fuji GFX50S II genutzt. Dabei hielt ich Brennweite, Bildausschnitt und Betrachtungswinkel so ähnlich wie möglich. Zuerst zeige ich die analogen und digitalen Aufnahmen im Vergleich, ergänzt durch 100- und 200-Prozent-Ausschnitte. Der Qualitätsunterschied der digitalen Bilder wird dabei schnell deutlich. Zusätzlich habe ich einige Aufnahmen – analoge und digitale – künstlerisch in Schwarzweiß und Farbe umgesetzt.

Analoge SW-Negative wie der Ilford XP2 400 besitzen nur einen Graustufenkanal, lassen sich aber – wenn auch eingeschränkt – in Photoshop bearbeiten. Deshalb schaltet man sie besser vom Graustufen- in den RGB-Modus um. Das empfehle ich generell für gescannte Schwarzweiß-Aufnahmen. Mit der Umstellung auf den ProPhotoRGB-Farbraum, der mit 16 Bit einen größeren Dynamikumfang bietet, erreicht man die beste Bearbeitungsqualität. Öffnet man farbige TIFF-Dateien, fragt Photoshop ebenfalls nach einer Umwandlung – diese sollte man stets bestätigen. Den Unterschied im Dynamikumfang erläutere ich im nächsten Kapitel.

Dynamikumfang und Clipping

Digitale Aufnahmen belichte ich grundsätzlich „nach rechts“ (ETTR: Exposure to the Right), um den maximalen Tonwertumfang zu nutzen. Das erkläre ich ausführlich auf meiner Webseite und in meinen YouTube-Videos. Bei analogen Negativen belichtet man hingegen auf die Schatten, um dort Zeichnung zu erhalten, und entwickelt auf die Lichter. Das funktioniert im Zonensystem von Ansel Adams, jedoch nicht bei Kleinbildfilmen, die auf mittlere Belichtung und standardisierte Entwicklung ausgelegt sind.

Um den Dynamikumfang meiner Aufnahmen zu prüfen und Clipping zu erkennen, nutze ich seit Jahren das Programm RawDigger (rawdigger. com). Gescannte TIFF-Bilder lassen sich dort nicht direkt öffnen, sondern müssen erst in ein digitales Negativ (. dng) umgewandelt werden. Das gelingt über den Export in Lightroom.

Wandle ich die TIFF-Dateien ohne Bearbeitung in das DNG-Format um, zeigt RawDigger den Dynamikumfang der gescannten Negative. Bei meinen Bildern lag er bei etwa 9 bis 10 EV-Werten – ein sehr guter Wert. Schwarzweiß-Bilder enthalten dabei nur einen Grauwert-Kanal, ohne hinterlegtes Profil oder Farbraum. Farbige Bilder haben den Farbraum sRGB und drei Farbkanäle.

Spannend wird es, wenn man die Bilder in Photoshop öffnet und in den ProPhotoRGB-Arbeitsfarbraum konvertiert. Dann erreichen sowohl Schwarzweiß- als auch Farbbilder einen Dynamikumfang von bis zu 16 EV-Werten. Das ermöglicht extreme Bearbeitungen, ohne die Bildqualität zu beeinträchtigen.

Bei einem Stillleben fiel mir Clipping in den Lichtern der Blüten auf. Vermutlich entstand es schon bei der Aufnahme, auch wenn veränderte Scannereinstellungen es vielleicht verhindert hätten. Die Standardentwicklung des Films lässt solche Details verschwinden. Der Glaube, Filme seien in den Lichtern gutmütig und bewahrten dort die Tonwerte, ist ein Irrtum. Nur eine gezielte Belichtung der Schatten und eine Entwicklung auf die Lichter nach Ansel Adams’ Zonensystem könnten das vermeiden – und das gelingt nur im Großformat mit Einzelnegativen.

Hier zeige ich einige Bilder, um die technischen Details zu veranschaulichen. Weitere Aufnahmen mit meiner Olympus-Kamera finden Sie im Beitrag: https://meine-art-zu-sehen.de/schritt-fuer-schritt/. In den Metadaten unter den Bildern steht dann „SP-3000“ – das war der Scanner.

Hier gehts zu meinem YouTube Video:

Ein Blutmond entsteht, wenn die Erde bei einer totalen Mondfinsternis genau zwischen Sonne und Mond steht wie sie am 7. September 2025 zu sehen war. Der Erdschatten bedeckt den Mond vollständig, während die Erdatmosphäre das Sonnenlicht bricht. Nur die langwelligen roten Lichtanteile erreichen den Mond und verleihen ihm seine charakteristische Farbe.

Das Ereignis im September 2025

Am 7. September 2025 war der Blutmond in Deutschland sichtbar. Der Mond ging bereits verfinstert auf und leuchtete dadurch besonders rot. Solche Ereignisse sind selten: Die nächste totale Mondfinsternis in Deutschland wird erst am 31. Dezember 2028 stattfinden.

Mondaufnahmen im Juni

Schon im Juni suchte ich einen Ort mit freier Sicht, um den Mond am „Exer“ (Naturschutzgebiet Exerzierplatz) zu fotografieren. Am 12. Juni 2025 nahm ich den Vollmond als Leuchtspur über der Landschaft auf. Dafür belichtete ich zweimal je eine Stunde. Zunächst wählte ich Blende f/11, stellte nach der ersten Aufnahme jedoch auf f/16 um, da der Mond heller wurde. Es war beeindruckend zu sehen, wie stark seine Leuchtkraft in kurzer Zeit zunahm. Selbst die Schatten von Kamera und Stativ zeichneten sich deutlich am Boden ab.

In Photoshop kombinierte ich die Aufnahmen im Mischmodus „Hartes Licht“, was die Leuchtspur optimal hervorhob. Für die Landschaft fügte ich eine weitere Ebene im Modus „Normal“ hinzu und blendete den Himmel mit einer Maske aus. Mithilfe der KI-Funktionen von Photoshop entstanden zudem experimentelle Bilder, die durch spontane Maskierungsfehler interessante Ergebnisse lieferten.

Vorbereitung auf den Blutmond

Mit der App „The Photographer’s Ephemeris“ (TPE) ermittelte ich den genauen Zeitpunkt und Winkel des Mondaufgangs. Doch graue Wolken am Horizont verzögerten die Sicht auf den Blutmond um eine halbe Stunde. Alle Aufnahmen entstanden mit einem 500-mm-Spiegelteleobjektiv von Olympus, das ich über einen Adapter an meine GFX-Kamera anschloss. Das Objektiv hat eine feste Blende von f/8 und erfordert manuelles Fokussieren – eine Herausforderung bei Dunkelheit, da jede Bewegung am Fokusring das Bild zittern lässt.

Meine erste Aufnahme des Blutmondes machte ich mit ISO 100 und 25 Sekunden Belichtungszeit. Doch die lange Belichtung ließ den Mond unscharf erscheinen, da er sich währenddessen weiterbewegte. Ich erhöhte den ISO-Wert auf 6400 und reduzierte die Belichtungszeit auf eine Sekunde. Diesmal wollte ich den Mond nicht als Leuchtspur, sondern in einzelnen Positionen festhalten. Ich begann unten links im Bild und ließ ihn im Abstand von je einer Minute durch das Bild wandern. Da die Bilder unterbelichtet waren, erhöhte ich den ISO-Wert schrittweise auf 102400, was die Bildqualität zwar beeinträchtigte, aber die Belichtung verbesserte.

Während der Mond aus dem Erdschatten trat und heller wurde, passte ich den ISO-Wert schrittweise wieder nach unten an: von 102400 auf 6400, 1600, 400 und schließlich zurück auf ISO 100. In den folgenden Serien, die den zunehmenden Mond zeigten, reduzierte ich die Belichtungszeit von einer Sekunde auf eine halbe, eine Viertel-, Achtel-, Fünfzehntel- und schließlich eine Dreißigstel Sekunde.

Herausforderungen und Technik

Die schnelle Anpassung der Kameraeinstellungen bei Dunkelheit und unter Zeitdruck erfordert Erfahrung. Besonders die Technik des „Belichtens nach rechts“ (ETTR) half mir, die Belichtungszeit präzise zu steuern. Sobald das Histogramm Überbelichtungen anzeigte, reduzierte ich die Belichtung um eine Drittelblende. Auf meiner Webseite erkläre ich diese Technik ausführlich und biete dazu persönliche Schulungen an.

Bildbearbeitung

In Photoshop fügte ich die Serien im Mischmodus „Hellere Farbe“ zusammen. Überstrahlte Bereiche maskierte ich und belichtete sie nach, um ein gleichmäßiges Ergebnis zu erzielen. Bei den Serien mit dem vollen Mondumfang wählte ich bei der Überlagerung einen Abstand von zwei Minuten zwischen den Aufnahmen, bei der Mondsichel einen von einer Minute. Um die Dateigröße zu verkleinern, reduzierte ich die Arbeitsstapel am Ende auf eine Ebene. Die Originalbilder sind ja noch da, sodass ich die Bearbeitung bei Bedarf wiederholen kann.

Leporello gestalten

Seit Langem drucke ich meine Bilder selbst, meist in A4, sodass ich sie direkt an die Wand hängen kann. Ebenso lange lese ich die Essays von Eddie Ephraums in der Fotozeitschrift B+W. Mit seiner Erfahrung im Buchdruck zeigt er dort monatlich, wie man kleine Fotobücher selbst gestaltet. Vor Kurzem habe ich mich davon inspirieren lassen und mein erstes Leporello entworfen – eine Serie über Callas (Bericht folgt). Das heutige Leporello ist mein zweites Projekt in dieser Richtung. Mein Drucktemplate habe ich auf DIN A3+ angepasst, für die Buchdeckel nutze ich Buchbinderpappe und Fotoleinwand im A4-Format. Ich stehe noch am Anfang, habe aber schon viel gelernt. Und das Beste: Solche kleinen Büchlein bereiten nicht nur anderen Freude, sondern auch mir.

Galerie Leuchtspur

Galerie Blutmond

Ein lieber Fotofreund besuchte mich nach meiner OP und brachte Tulpen mit. Ich stellte sie in eine bauchige Keramikvase mit frischem Wasser. Zwei Stunden lang unterhielten wir uns bei Kaffee über viele Themen. Mein Bewegungsradius war noch eingeschränkt, aber mit dem Rollator kam ich zuhause gut zurecht. Schon am nächsten Tag reizte es mich, den Blumenstrauß zu fotografieren. So entstanden die ersten Fotos. Täglich beobachtete ich die Tulpen und ihre Blütenveränderungen. Als sich die ersten Stängel senkten, bemerkte ich, dass ich das Wasser nicht rechtzeitig nachgefüllt hatte. Doch bevor ich das tat, hielt ich die Szene im Sonnenlicht fotografisch fest. Mit frischem Anschnitt und ausreichend Wasser richteten sich die Stängel wieder auf.

Details und Experimente

Ich begann, Details zu fotografieren und mit Licht zu experimentieren. Im Nahbereich nutzte ich das Fuji-Objektiv GF 120mm F4 R LM OIS WR Macro bis zum Maßstab 1:2 und das Sigma 105mm F2,8 EX DG OS HSM Macro (mit Canon-Bajonett an der Fuji GFX 50S II) bis zu Maßstab 1:1. Etwa die Hälfte der Bilder entstand mit dem Fuji-Objektiv und der Fokusstacking-Methode, wobei ich mich auf 20 bis 30 Bilder pro Serie beschränkte, um den Eindruck von Unschärfe im Hintergrund zu bewahren. Mit dem Sigma-Objektiv konnte ich kein Fokusstacking machen, weil der Fringer Mount Adapter EF-GFX pro den Stacking-Modus nicht unterstützt. Meine Kamera Fuji GFX 50S II erlaubt Fokusstacking automatisch oder manuell. Ich habe hier im manuellen Modus die Einstellung auf 20 bzw. 30 Bilder gemacht und mit einer Schrittweite von 7 gearbeitet. Die Schrittweite ist ein Maß für die Veränderung des Fokuspunktes und hängt auch vom Abbildungsmaßstab ab. Leider fand ich hierzu keine detaillierten Informationen des Herstellers, weshalb ich selbst experimentieren musste. Als Intervall zwischen den Aufnahmen habe ich 1 Sekunde eingestellt.

Den von oben fotografierten Tulpenstrauß belichtete ich einmal als Stackingserie mit Oberlicht und ein weiteres Bild nur mit Licht von unten über die Leuchtplatte. In Photoshop überlagerte ich die Bilder im Mischmodus Luminanz, wodurch das Farbbild in Schwarzweiß überging.

Halbzeit und Ende

Das Bild des Straußes vor der Gardine am hellen Fenster bereitete ich in Photoshop als High-Key-Bild auf. Dabei nutzte ich den Detail Extractor und den High-Key-Modus von Nik. Auf dieser Basis folgte die SW-Umwandlung mit einem Profil von Jim Welninski für den Agfa APX 25. Ich fertigte einen Print auf Innova IFA 45 an, doch das Querformat überzeugte mich nicht. Ich wollte dem Strauß mehr Raum geben, hatte aber kein passendes Bild. Also ergänzte ich in Photoshop die „Leinwand“ nach oben zum Quadrat und füllte die Gardinen inhaltsbasiert auf. So gefiel es mir, und ich schickte es erneut zum Drucker.

Dass dieses Bild am Tag 8 die Halbzeit markierte, wusste ich damals nicht, da ich den Strauß weiter pflegte und die Veränderungen beobachtete. Nach 17 Tagen entstanden die letzten Bilder. Wer die Veränderungen der Blüten und Blätter nicht so genau wie ich beobachtete, hätte den Strauß wohl früher entsorgt und das Halbzeitbild verpasst. Doch gerade vor dem Ende konnte ich die Schönheit der intensiveren Farben und neuen Formen festhalten.

In meinem Archiv liegen nun etwa 130 bearbeitete Fotos. Weit über 1000 löschte ich, meist waren es die nicht mehr benötigten Zwischenschritte der Fokusstacking-Bilder. Für das Fokusstacking benutze ich Helicon Focus.

Hier ist nun die Galerie mit einer Auswahl der bearbeiteten Bilder. Meiner Beschreibung oben entsprechend sind einige Varianten in der Galerie enthalten, um den Weg zum fertigen Bild für den Ausdruck zu zeigen.

Im Rahmen unseres Kursprogramms im Senioren Netz Erlangen habe ich im Januar eine zweistündige Schulung (online) gemacht. Für mich war dieses Thema die bisher größte Herausforderung bei fotografischen Themen. Meine Recherchen und Themensammlungen haben mehr als 6 Monate gebraucht. Aber ich denke, dass es sich für alle Teilnehmer am Workshop gelohnt hat hier mitzumachen. Den Workshop habe ich als Zoom-Meeting aufgezeichnet und nun dieses Video ein wenig aufbereitet, damit ich es bei YouTube online stellen kann.

Script zum Kurs

Wie immer habe ich ein Script mit 27 Seiten erstellt, das die Teilnehmer alle erhalten haben. Auf meiner Downloadseite kann das Script kostenlos heruntergeladen werden.

Praxiskurs Tonwerte in der Fotografie

Am 25.05. gab es einen weiteren Praxiskurs zu diesem Thema, wo ich wieder meine Erfahrungen im Umgang mit den Tonwerten in Lightroom und Photoshop gezeigt habe. Hier ist nun wieder die Azfzeichnung, die ich aber Aufgrund von Anregungen der Teilnehmer ein wenig überarbeitet haabe.

Das war wieder ein interessanter Lightroom/Photoshop-Workshop diese Woche. Da waren Fragen zum TK8-Plugin zu „Darks/Lights-Triple Play“, zu der Behandlung von nahezu ausgebrannten Details in Wolken und die Frage, wie sich bei SW-Bildern der Himmel bestmöglich abdunkeln lässt. Auf diese Frage hatte ich mich schlecht vorbereitet und habe deshalb im Anschluss ein kleines YouTube-Video erstellt (ist unten verlinkt). Hier will ich die Schritte für Lightroom und Photoshop noch einmal kurz zusammenfassen.

Himmel abdunkeln in Lightroom

Im Grunde genommen ein einfacher Schritt bei der Schwarzweiß-Umwandlung von Bildern. Im Video zeige ich das anhand meiner selbst erstellten SW-Profile für eine Vielzahl bekannter analoger Filme und habe in diesem Beispiel den „Rollei IR 400“ gewählt. Von diesem bekannten Infrarotfilm weiß ich, dass er sehr hohe Kontraste liefert und auf Reglereinstellungen gut anspricht. Im Vorfeld des Videos habe ich aber gleich gute Ergebnisse mit dem „Rollei Retro 80s“, dem „Agfa APX 25“ und sogar mit einer schlichten „Schwarzweiß“-Einstellung aus dem Adobe Vorgaben Menü erzielt. Der meist blaue Himmel lässt sich in allen Fällen mit dem „Blau“ Regler aus dem schwarzweiß Menü sehr gut abdunkeln. Mit ein wenig weiteren Anpassungen aus dem Kalibrierung-Menü lässt sich, wie im Video gezeigt, der Rest wie gewünscht ergänzen. Wer meine SW-Profile möchte, kann sich die von dieser Seite  herunterladen (meine-schwarzweiss-profile).

Beispiel mit Wolken

Ein zweites Bild von Ulrike war mit zusätzlichen Wolken im Himmel, die aber erhalten werden sollten. Dieses Bild ist nicht im Video gezeigt, weshalb ich hier kurz darauf eingehen will. Auch hier nicht zu vergessen, den Bild-Modus in Photoshop von 8 auf 16 Bit umzustellen, auch wenn das Bild dann mehr als doppelt so viel Speicherplatz benötigt. Hier zeigt sich dann doch der Vorteil von Photoshop. Mit den verschiedenen Ebenen (layer) lassen sich gezielt die kritischen Bereiche einzeln optimal in Helligkeit und Tonwert anpassen. Der letzte Feinschliff erfolgt am Ende mit Dodge&Burn bei vorab ausgewählten Helligkeitsbereichen über eine Maske. Das ist Tonwertsteuerung vom Feinsten.

In Lightroom habe ich für dieses Bild das Profil „Rollei Ortho 25“ verwendet und konnte über die Reglereinstellung bei Schwarzweiß, Kalibrierung und in den Grundeinstellungen schon ziemlich viel erreichen. Mit einer letzten Anpassung über die Gradationskurve konnte ich dann auch gute Schwarzwerte erzielen, aber die Bearbeitung in Photoshop ist doch besser geworden. Wer eine Kopie meiner Bearbeitungen mit allen Ebenen in Photoshop bzw. den Reglereinstellungen in Lightroom haben möchte, kann sich gerne an mich wenden (Kontaktseite). Für die Lightroom Bearbeitung muss dafür aber das entsprechende Profil aus meiner Sammlung auf eurem Rechner verfügbar sein.

Vergleich der LR/PS Bearbeitung

YouTube Video

„We see in colour all the time. Everything around us is in colour. Black and white is there­fore immediately an interpretation of the world, rather than a copy.“
„Wir sehen die ganze Zeit in Farbe. Alles um uns herum ist in Farbe. Schwarz-Weiß ist daher sofort eine Interpretation der Welt und keine Kopie.“
– Michael Kenna

Mit diesem Zitat von Michael Kenna beende ich meinen Vortrag zum Thema „Denken in Schwarz-Weiß“, den ich auf Einladung des VHS-Fotoklubs in Eckental gehalten habe. Kenna ist bis heute bei der analogen Schwarz-Weiß-Fotografie geblieben und seine Bilder hängen in vielen Galerien und Museen weltweit. Wie er die Frage nach dem „Denken in Schwarz-Weiß“ beantworten würde, weiß ich nicht, aber ich bin sicher, dass es in unserem Denken viele Gemeinsamkeiten gibt. Aber natürlich auch Unterschiede, die ihn als professionellen Künstler von mir als Amateur unterscheiden.

Alles, was ich über die Fotografie weiß, habe ich mir selbst beigebracht. Das begann bereits im Alter von ca. 10 Jahren mit meiner ersten Agfa Box mit 6 × 9 cm Rollfilm, der natürlich schwarz-weiß war. Über die Jahre hat sich das fortgesetzt mit Spiegelreflexkameras von Praktica und Olympus und dann weiter bis zum Großformat 8 × 10 Inch. Über weitere Zwischenstufen in der digitalen Welt bin ich nun bei einer Sony Alpha 99MII angekommen. Die besonderen Zeiten in diesen 60 Jahren waren stark geprägt von meinen Schwarz-Weiß Bildern, die im eigenen Labor entwickelt und vergrößert wurden. Am intensivsten war diese Phase in den Jahren mit dem Großformat ausgeprägt.

Was hat denn nun den Unterschied beim Fotografieren mit Farb- bzw. Schwarz-Weiß-Film ausgemacht?

Heute in der Rückschau kann ich das für mich sehr einfach beantworten: Immer, wenn ich in der Kamera einen Schwarz-Weiß-Film eingelegt hatte, war die Einstellung zu den Motiven eine völlig andere. Das Sehen der Motive war geprägt von dem Bewusstsein, dass jetzt ausschließlich Schwarz-Weiß-Bilder entstehen werden. Heute haben wir zuerst immer ein farbiges digitales Bild, das noch umgewandelt werden muss. Doch schon während der Fototour können wir uns bereits Gedanken machen, mit welchen Motiven das wohl gut gelingen wird. Den Rest erledigen wir heute in der digitalen Dunkelkammer mit Lightroom und Photoshop wesentlich einfacher als früher im roten Licht eines kleinen Raumes und den dort benötigten Chemikalien. Schwarz-Weiß neu zu denken ist damit heute um vieles einfacher geworden und führt damit auch zu wesentlich kreativeren Ergebnissen.

Ein ausführliches Script mit 30 Seiten steht hier kostenlos zum Download zur Verfügung stehen. Am 27.04.2022 gibt es dann eine Wiederholung des Vortrags im Rahmen unseres Kursprogrammes im Seniorennetz Erlangen.

Die Umwandlung von Farbbildern nach schwarzweiß ist eine der beliebtesten Themen in meinen Workshops. Es wird den Benutzern von Lightroom und Adobe Camera Raw (ACR) auch ziemlich einfach gemacht dies zu tun. So gibt es in Lightroom in der linken Spalte des Entwicklungsmoduls die Presets, mit denen verschiedenste Adaptionen gemacht werden können. Und dann gibt es in der rechten Spalte in den Grundeinstellungen einen „Profilbrowser“ (die vier Kästchen unter Profile). Presets und Profile unterscheiden sich in einem ganz wichtigen Punkt: bei Presets werden verschiedene Regler aus den Grundeinstellungen aber auch bei anderen Tabs für die Bearbeitung verschoben; bei Profilen ist das nicht der Fall. Das bedeutet, dass im ersten Fall die Regler nicht mehr voll zur Verfügung stehen, um das Bild weiter zu bearbeiten, bei Profilen ist das nach wie vor im vollen Umfang möglich.

Wer also selbst Hand anlegen will und bei seiner Bearbeitung alle Reglerstellungen selbst in vollem Umfang nutzen will, sollte mit Profilen arbeiten. Die von Adobe zur Verfügung gestellten Schwarzweiß-Profile finde ich schon recht gut, was mir aber fehlt, ist ein Bezug zu dem erzeugten Ergebnis. Allein SW1 bis SW12 ist für mich nichtssagend. Wer analog fotografiert hat, kennt alle Namen der Filmhersteller und die meisten Namen der Filme. Klar kann man dann in der digitalen Welt mit den Namen erst mal auch nichts Konkretes verbinden, aber nach einiger Zeit mit den entsprechenden Filmen und den zugehörigen Namen weiß der Anwender dann doch, wie ein „Rollei IR 400“ oder ein „Fuji Neopan Acros 100“ sein Bild verändert.

Wie verändern meine Profile das Bild?

Bereits vor einem halben Jahr habe ich meine selbst erstellten Profile meinen Workshopteilnehmern (und der Allgemeinheit für ein kleines Entgelt) zur Verfügung gestellt (Lightroom Schwarz-Weiß-Profile). In dem Beitrag zeige, wie sich jeder Profile selbst erstellen kann und wie die in Lightroom und ACR eingebunden werden können. Hier will ich nun zeigen, wie meine Schwarzweiß-Profile ein Bild verändern. Ich zeige das mit meinem Farbkreis, den ich schon in früheren Beiträgen verwendet habe. Im Vergleich wird ziemlich schnell offensichtlich, dass bei der Anwendung der Profile bestimmte Farben entweder sehr stark oder auch sehr gering beeinflusst werden (z. B. gelb und cyan). Niemand sollte sich deshalb aber davon abhalten lassen, das mit seinen realen Bildern zu benutzen. Ein Farbkreis ist technisch für Vergleiche hilfreich, aber bei realen Bildern sind es die Gefühle die uns bei der Auswahl des Profils leiten, um ein ausdrucksstarkes Bild zu erstellen. Und wie immer ist das Profil wiederum nur der Ausgangspunkt für unsere weitere Bearbeitung. Erst zurück im Entwicklungsmodul können wir dann mit den nun vollständig zur Verfügung stehenden Reglern unser Bild fertigstellen.

Vergleich der Filmprofile

Insgesamt stehen 33 Schwarzweiß-Profile zur Verfügung, von denen ich hier aber nur 8 im Vergleich zum Farbkreis zeige. Trotz des scheinbar objektiven Vergleichs mit dem Farbkreis, sind die Ergebnisse zu ähnlich, um daraus eine Entscheidung für die Auswahl des einen oder anderen Filmes ableiten zu können. Das sollte jeder selbst mit seinen realen Bildern direkt in Lightroom und ACR machen.

Download der Profile (hier)

Änderung 2026-01-25: Die Praxis hat gezeigt, dass die „H“-Profile für alle gewünschten Anpassungen ausreichend sind. Wer die anderen Profile auch gerne hätte, kann mir eine E-Mail schreiben.

Die heruntergeladene Datei heißt wkl-B&W-Profile.zip wkl-B&W-Profile für alle Kameras H.zip. Diese Datei enthält vier gezippte Dateien:

1. wkl_Profile_alle_Kameras.cube.zip
2. wkl-B&W-Profile für alle Kameras Normal.zip
3. wkl-B&W-Profile für alle Kameras M.zip
4. wkl-B&W-Profile für alle Kameras H.zip

Die genaue Beschreibung zur Installation mit Video ist hier in meinem früheren Beitrag (Lightroom Schwarz-Weiß-Profile) zu finden.

Farbkreis als Download (hier)

Anstatt sich die Profile hier auf der Webseite im Vergleich anzusehen, kann sich nun jeder auch selbst meinen Farbkreis kostenlos herunterladen und sich damit die Profile auf dem eigenen Rechner zu Hause in Lightroom und ACR ansehen. Auch wenn ich mich wiederhole, am besten ist und bleibt immer noch der Vergleich anhand des Bildes, das umgewandelt werden soll.

Nach der Anwendung eines Profils bleiben alle Entwicklungsregler in Lightroom und ACR verfügbar, sodass weitere Feinanpassungen möglich sind. Obwohl es Profile seit Lightroom 7.3 (April 2018) gibt, sind brauchbare Profile schwer zu finden. Suchmaschinen liefern meist Presets, die die Regler bereits verstellen, was ich vermeiden möchte. Zudem finden sich oft Profile für Videofilmer, die Kameraanpassungen und Color-Looks steuern und meist teuer sind. Von Jim Welninski (https://alteredspacephoto.com/) habe ich einige Lernvideokurse erworben, die auch sehr gute Schwarz-Weiß-Profile enthalten. Diese Profile sind seit Ende 2019 einzeln erhältlich.

Einige weitere Profile sind in Adobes Blogbeitrag „New Profiles and More“ verlinkt, helfen mir aber nicht bei der Suche nach Schwarz-Weiß-Profilen. Daher bleibt mir nichts anderes übrig, als eigene Profile zu erstellen.

Eigene Profile erstellen

Wie man eigene Profile erstellt, zeigen viele Videos im Internet. Der Weg führt meist über Photoshop und ACR. Ich kenne diesen Prozess gut und habe mich intensiv mit der Profilerstellung beschäftigt. Adobe bietet grundlegende Informationen, etwa zu DNG-Kamera-Profilen und der Adobe Profiles SDK. Wie man kameraspezifische Profile mit dem DNG-Editor erstellt, habe ich in einem früheren Beitrag gezeigt.

Eine wichtige Quelle ist die Open-Source-Community mit Programmen wie Darktable und RawTherapee. Dort gibt es eine große Sammlung von HaldCLUT-Dateien (Color Look-Up Table), die als Basis für Lightroom- und ACR-Profile dienen können (CC BY-SA 4.0). Eine Übersicht dieser Dateien findet sich bei G’MIC. Ich habe bisher nur die Schwarz-Weiß-Profile für meine Sony Alpha 99M2 aufbereitet und nun für alle Kameramodelle zur allgemeinen Verwendung. Diese Profile stehen auf meiner Downloadseite für einen geringen Betrag kostenlos zur Verfügung. Teilnehmer meiner Workshops erhalten sie kostenlos.

Die Profile habe ich mit dem Programm 3DLUTCreator von Oleg Sharonov erstellt. Dort lassen sich HaldCLUT-Dateien laden und als . cube-Dateien speichern, die für die Profilerstellung in ACR notwendig sind. Den Prozess zeige ich in meinem YouTube-Video. So habe ich 33 Lightroom/ACR-Profile für Schwarzweißfilme erstellt, die die Grundlage für meine Schwarzweißbilder bilden. Die . cube-Dateien lassen sich in Photoshop als Einstellungsebene „Color Lookup“ laden, obwohl der Dialog in Photoshop nicht besonders übersichtlich ist. Die .cube-Dateien sind auch in anderen Bildbearbeitungsprogrammen nutzbar, die LUTs unterstützen. Deshalb sind sie im Downloadpaket enthalten.

Downloaddateien (hier)

Änderung 2026-01-25: Die Praxis hat gezeigt, dass die „H“-Profile für alle gewünschten Anpassungen ausreichend sind. Wer die anderen Profile auch gerne hätte, kann mir eine E-Mail schreiben.

Die heruntergeladene Datei heißt wkl-B&W-Profile.zip wkl-B&W-Profile für alle Kameras H.zip. Diese Datei enthält vier gezippte Dateien:

1. wkl_Profile_alle_Kameras.cube.zip
2. wkl-B&W-Profile für alle Kameras Normal.zip
3. wkl-B&W-Profile für alle Kameras M.zip
4. wkl-B&W-Profile für alle Kameras H.zip

Profile für Photoshop und alle anderen Pixelprogramme mit Einstellungsebenen für LUTs

Die erste Zip-Datei enthält die .cube-Dateien für Photoshop und andere Programme, die Lookup-Tabellen verarbeiten können. Diese Datei kann in einen beliebigen Ordner entpackt und von Photoshop aus genutzt werden. Obwohl es in Photoshop umständlich ist, diese Profile in der Einstellungsebene „Color Lookup…“ zu laden, bietet dies viele Vorteile. So können mehrere Profile geladen und lokal überlagert werden, was in Lightroom/ACR nicht möglich ist.

Profile für Lightroom und ACR

Die anderen Zip-Dateien enthalten die Profile für Lightroom und ACR. Diese Dateien sollten nicht entpackt, sondern direkt in Lightroom/ACR importiert werden, um sie ordentlich im Ordner „C:\Users\[benutzername]\AppData\Roaming\Adobe\CameraRaw\ImportedSettings“ zu speichern. Einzelne ausgepackte Profile (.xmp-Dateien) können auch direkt in den Ordner Settings kopiert werden, was jedoch schnell unübersichtlich wird.

Die Profile mit den Endungen Normal, M und H basieren auf dem gleichen emulierten Film und sehen im Profilbrowser identisch aus. Erst bei der Bearbeitung in Lightroom/ACR zeigen sich Unterschiede. Die Regler „Tiefen“ und „Lichter“ lassen sich unterschiedlich stark einstellen. „Normal“ entspricht der normalen Anpassung, während M und H den Regelbereich erweitern. Im Video wird dies gezeigt. Bei der Anwendung sollte man jedoch kritisch bleiben und nicht übertreiben. Ich sehe sinnvolle Anwendungen für diesen erweiterten Bereich und stelle deshalb auch diese erweiterten Profile zur Verfügung. Viel Erfolg bei euren eigenen Bildern!

Aber ich hatte andererseits auch schon lange nach einer Möglichkeit gesucht, mir in Lightroom/ACR ein Profil zu erstellen, mit dem ich meine Bilder für die Bearbeitung optimal vorbereiten konnte. Da ich schon länger mit hohem Engagement eine perfekte Belichtung des Sensors mit der maximalen Ausnutzung der Lichterwerte verfolge, entstand der Bedarf, beim RAW-Import die Rohdaten möglichst vollständig zu erhalten. Lightroom und ACR machen das nicht, die verwenden beim Import bereits eine entsprechende Kurve, mit der die RAW-Daten angehoben werden und so sehr hell in der Vorschau erscheinen (wegen meiner Belichtung nach rechts –  ETTR). Nun bietet aber gerade der DNG Profile Editor eine ziemlich einfache Möglichkeit an, hier eine lineare Gradationskurve einzustellen, was dann eine völlig unverfälschte Übertragung der RAW-Datei nach Lightroom/ACR ermöglicht. Allerdings mache ich das nicht standardmäßig bei jedem Bild während des Imports, sondern nur gezielt bei den Bildern, wo es mir nötig erscheint.

Ich mache mit diesem Schritt die Anwendung der Importkurve für eine „Standardentwicklung“ der Rohdaten rückgängig und verwende stattdessen nun meine eigene lineare Kurve. Somit erhalte ich einen unverfälschten Blick auf die tatsächlichen Rohdaten. Eine perfekte Methode, um einzelne Bilder gezielt bearbeiten zu können.

Wie das alles gemacht wird, habe ich in einem YouTube-Video dokumentiert:

Wie das dann in der Praxis funktioniert, ist in einem zweiten Video zu sehen:

Hat man erst mal einige Erfahrungen mit so einer linearen Kurve gemacht, lädt der DNG Profil Editor dann schnell zum Experimentieren ein. Ich habe mir zwischenzeitlich mehrere Kurven erstellt, die gegenüber dem linearen Verlauf leicht angehoben wurden. Nur für den Fall, dass man da mal eine etwas hellere Umsetzung benötigt. Und wie bei mir fast nicht anders zu erwarten, sind die Kurven in Anlehnung an Ansel Adams mit N+1, N+2 und N+3 bezeichnet. Ein paar Kurvenverläufe zeige ich unten in den Bildern. Weitere Übertragungskurven für N-1, N-2 und N-3 habe ich mir inzwischen ebenfalls gemacht. Diese sind besonders für meine ETTR-Belichtungen wichtig.