Im monatlichen Workshop zu Lightroom und Photoshop haben wir ein Bild von Ulrike Wiese bearbeitet – eine Mehrfachbelichtung direkt in der Kamera. Dabei entstanden durch die Leuchtplatte helle Streifen, wo sich die Aufnahmen überlagerten. Mein erster Versuch, das Bild während des Workshops passend zu bearbeiten, war nicht ganz erfolgreich. Deshalb habe ich versprochen, ein neues Video zu erstellen. Dieses Video ist nun fertig und auf meinem YouTube-Kanal verfügbar (Link unten).

Photoshop-Experimente

Wie immer bestand mein erstes Ziel darin, das Bild so vorzubereiten, dass die Grundeinstellungen für weitere Schritte stimmen. Hier störten mich die bläulichen Streifen, die ich mit zwei Ebenen entfernen konnte.

Danach folgten Experimente in Photoshop: Zuerst eine Schwarz-Weiß-Umsetzung mit einem weichen Profil (Polaroid 663 H) aus meiner Sammlung. Anschließend habe ich eine Farbmaske aus dem Originalbild erstellt und sie mit dem Plugin von Tony Kuyper als „Mask to Pixels“ ausgegeben.

HSB-Farbauszug

Vor einiger Zeit habe ich eine Aktion entwickelt, die aus einem Bild einen HSB-Farbauszug erstellt. Die Idee dazu stammt von Jim Welninski, dessen Online-Kurse ich vor Jahren besucht habe. Um den Vorgang besser zu verstehen, wollte ich jedoch eine eigene Aktion erstellen. Zunächst bat ich ChatGPT um Hilfe, doch die Vorschläge der KI führten nicht zum Ziel. Nach mehreren Tagen brach ich ab, analysierte stattdessen Welninskis Einstellungen selbst und entwickelte daraus die nötigen Aktionen.

Ein Farbauszug dient normalerweise dazu, ein Bild zu analysieren, störende Farben zu erkennen und zu entfernen. Der HSB-Farbauszug besteht aus drei Ebenen, die sich wieder zum Originalbild zusammensetzen: „Hue“ (Farbton), „Saturation“ (Sättigung, Mischmodus „Negativ multiplizieren“) und „Brightness“ (Helligkeit, Mischmodus „Multiplizieren“).

Die „Hue“-Ebene nutze ich jedoch auch gern für Experimente – so auch hier. Mit verschiedenen Mischmodi und in Kombination mit meiner Vorlage aus den Schwarz-Weiß-Experimenten entstand schließlich das finale Bild.

Die Aktionen und das bearbeitete Bild von Ulrike Wiese mit allen Schritten stehen kostenlos auf meiner Downloadseite bereit. Hier ist das YouTube-Video:

Der Druidenhain ist ein etwa einen Hektar großes Waldstück in der Fränkischen Schweiz, das von eindrucksvollen Felsformationen geprägt ist. Die Felsblöcke, die zwei bis fünf Meter hoch sind, sind in nordwest-südöstlicher Richtung angeordnet. Der Name „Druidenhain“ stammt aus dem späten 19. Jahrhundert und weckt Assoziationen an eine keltische Kultstätte, obwohl es keine wissenschaftlichen Belege für eine solche Nutzung gibt. Möglicherweise ist der Name eine romantische Erfindung. Einige Experten vermuten, dass der Druidenhain ein eingestürztes Höhlensystem oder ein alter Steinbruch ist. In einer Erzählung wird er mit dem Raubritter Eppelein von Gailingen und angeblichen Hexenritualen in Verbindung gebracht, aber dies ist historisch unbestätigt. 

Für uns Fotografen ist der Druidenhain zu jeder Jahreszeit ein beliebtes Ziel. Diese kleine Serie entstand im Mai 2019, noch vor der Corona-Pandemie. Das Thema hat mich auch zu Hause zum Experimentieren angeregt. Vermutlich liegt es an dem mysteriös anmutenden Namen, der mich zu diesen Verfremdungen inspiriert hat.

Vergessen und wiederentdeckt

Überraschende Bildumsetzungen 

Anfang September fand in Forchheim das dreitägige Fotofestival „Fotopark“ statt. Im Stadtpark Forchheim präsentierten Fotografen großformatige Bilder. Weitere Ausstellungen zeigten Werke von F.C. Gundlach und Andreas Jorns in der Kaiserpfalz sowie von Anouchka Olszewski in der Stadtbücherei. Viele der Fotografen waren anwesend und erläuterten auf der Bühne ihre Arbeitsweise. Abends fanden Multimediashows statt.

Ein Highlight war der dreistündige Fotowalk durch Forchheim mit einem Stadtführer, der Zugang zu sonst unzugänglichen Bereichen ermöglichte. Besonders interessant für mich war der Workshop „Schwarzweiß in der Natur – Die Konzentration auf das Wesentliche“ mit Anouchka Olszewski und Peter Giefer. Dies war mein erster Workshop, den ich je besuchte, obwohl ich normalerweise selbst Workshops leite und YouTube-Videos erstelle.

Workshop Schwarzweiß in der Natur

Der Workshop begann mit einer Stunde Theorie, gefolgt von zwei Stunden praktischer Fotografie zu bestimmten Themen und einer abschließenden Bildbesprechung. Die Theorie entsprach nicht meinen Erwartungen. Die Aussage, dass ein Schwarzweiß-Foto nur 256 Farben hat, und die gezeigten Bilder, die lediglich entsättigte Farbbilder waren, überzeugten mich nicht. Auch der Hinweis, die Kamera direkt auf Schwarzweiß einzustellen, erschien mir nur für Anfänger geeignet. Die Qualität von Handyfotos im Vergleich zu Vollformatkameras wurde ebenfalls diskutiert, was aus meiner Sicht wenig relevant war.

Praxis

Im Praxisteil erhielten die fünf Teilnehmer verschiedene Aufgaben, die sie in jeweils etwa 20 Minuten erledigen sollten. Die Themen waren:

– Natur in der Stadt (Bezug von Natur und Stadt sollte erkennbar sein)
– Strukturen
– Tote Natur
– Dreiecke (häufigste Form in der Natur)

Die Aufgaben waren verständlich und am Veranstaltungsort umsetzbar.

Bildbesprechung

Jeder Teilnehmer wählte ein Bild zur Diskussion aus. Da ich meine 200 Bilder erst auf den Rechner übertragen musste, wählte ich in Eile ein Bild aus, konvertierte es in Lightroom in Schwarzweiß und reichte es weiter. Die Bildbesprechung verlief routinemäßig, wobei fotografische Regeln wie der goldene Schnitt thematisiert wurden. Mein Ziel ist es jedoch, diese Regeln zu vergessen und mich auf Inhalte und Gefühle zu konzentrieren.

Bildbearbeitung

Die Bildbearbeitung war im Workshop nicht vorgesehen, was verständlich ist, da dies ein umfangreiches Thema ist. Zuhause bearbeitete ich die Bilder nach meinen Vorstellungen. Die Ergebnisse sind in der Bildergalerie zu sehen und bedürfen keiner weiteren Erläuterung. Die oben genannten Themen sind sofort erkennbar und können bei Interesse leicht nachgemacht werden. Dazu „Gut Licht“.

Diese Frage beschäftigte mich in den letzten Wochen. Anlass war ein Webinar zum „Zonensystem in der digitalen Fotografie“, für das ich mich angemeldet hatte. Doch was hier zu hören war und auch weitere Recherchen zu diesem Thema brachten wenig Erfreuliches zutage. Schnell wurde klar, dass die Autoren das Zonensystem nach Ansel Adams offensichtlich nie selbst angewendet hatten. Ich hingegen habe es jahrelang praktiziert, viele Großformatbilder im 8×10″-Format belichtet, entwickelt und Abzüge hergestellt. Auch in der digitalen Fotografie habe ich einige Jahre Erfahrung und glaube daher, dass ich einen Versuch wagen kann, die Möglichkeiten des analogen Zonensystems in die digitale Welt zu übertragen. Dabei zeigt sich, dass beide Welten grundverschieden sind und entsprechend unterschiedlich betrachtet werden müssen. Dennoch enthält das analoge Zonensystem von Ansel Adams bereits Elemente, die auch in der digitalen Fotografie entscheidend sind.

Für meine Fotofreunde im Seniorennetz Erlangen habe ich einen Kurs vorbereitet und gehalten. Aus dem Feedback habe ich mein Skript ergänzt und ein YouTube-Video auf meinem Kanal veröffentlicht. Das Skript kann für einen geringen Betrag von meiner Downloadseite heruntergeladen werden (für meine Kursteilnehmer kostenlos).

Neben dem ausführlichen Skript, gibt es inzwischen auch eine kurze Zusammenfassung (im Download enthalten); dazu wird es demnächst auch noch ein kurzes YouTube-Video geben.

Zusammenfassung meiner Überlegungen

Analoger Film

Ansel Adams prägte eine Ära mit seinen Bildern, die auf seinem Zonensystem basierten. Das Zonensystem besteht aus einem Graukeil mit 11 Zonen von 0 bis X. Zone Null repräsentiert reines Schwarz, Zone X reines Weiß. Der Referenzpunkt ist Zone V mit einem Grauwert von 18 % Reflexion. Die Zonen I bis IX liegen jeweils eine Blendenstufe voneinander entfernt.

Adams entwickelte sein Zonensystem, um Negative so zu belichten und zu entwickeln, dass sie jeden Motivkontrast auf Papier mit normaler Gradation wiedergeben. Viele Fotografen folgten seinem Beispiel.

Auch ich erlernte diese Technik durch Workshops bei Peter Gasser und Bob Werling, die mit Adams zusammenarbeiteten. Jeder Fotograf muss eigene Testreihen für einen Film durchführen, um die Belichtung zu optimieren. Adams beschreibt Zone I als „Near black, no detail. Effective threshold. First step above complete black in the print. Slight tonality, but no texture.“

Mein persönliches Zonensystem zeigt wichtige Grenzwerte für den Filmtest. Der Negativfilm reagiert nicht linear, daher ist es entscheidend, das Material gut zu kennen, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. Es gibt nur eine korrekte Belichtung und Entwicklung für jede Lichtsituation, um einen Print mit allen Tonwerten zu erstellen.

Digitales Zonensystem

Zu Beginn meiner digitalen Fotografie war mir das analoge Zonensystem vertrauter als der digitale Sensor. Die Software „RawDigger“ half mir, ein korrektes Histogramm meiner Dateien zu erhalten. Besonders die Messung der Lichter am rechten Rand war entscheidend.

Es wurde mir klar, dass der digitale Sensor so belichtet werden muss, dass die wichtigen Lichter nicht überbelichtet werden. Der mittlere Grauwert wird heute anders definiert als im analogen System. Der Graupunkt liegt bei 12,5 %, das sind 3 Lichtwerte unterhalb des Sättigungspunkts.

Der Sensor muss korrekt bis zum rechten Rand belichtet werden (ETTR), um den gesamten Tonwertumfang einzufangen. Das Raw-Histogramm ist hierbei entscheidend. Die Anwendung des Zonensystems auf die digitale Welt erfordert ein Umdenken von der analogen Denkweise. Nicht die dunklen Tonwerte sind entscheident, sondern die hellen Tonwerte am rechten Rand.

Fazit

Ansel Adams würde heute das digitale Zonensystem nutzen, um die Lichter optimal zu belichten. Die Qualität des finalen Prints steht im Fokus. Es ist wichtig, das Bild korrekt bis zum rechten Rand (ETTR) zu belichten. Am linken Rand (dunkle Tonwerte) hängt es vom Dynamikbereich des Sensors ab, ob die gewünschten Tonwerte in ausreichendem Maß vorhanden sind. Hier kann der Fotograf leider nichts mehr selbst festlegen, wie es im analogen Zonensystem der Fall war. Diese ergeben sich von selbst und sind nur über die Belichtung am rechten Rand beeinflussbar. Je weiter nach rechts belichtet wird, desto weiter rücken auch die dunklen Zonen nach rechts. Das Verständnis des Zonensystems kann Fotografen dabei helfen, ihre Belichtung zu verbessern. „Gut Licht“ für alle Fotografen auf ihrem Weg zur perfekten Belichtung.

Wilhelm

Im letzten Kurs kam nun die simple Frage, was denn in diesem „Zebra-Menü“ der Kamera die Einstellungen C1 und C2 bedeuten würden. Das wusste ich nicht und versprach, diese Frage zu klären. Zunächst vermutete ich einen Zusammenhang mit den Tasten C1 und C2 an der Kamera, konnte dazu aber nichts finden. Auch das Handbuch brachte mich nicht weiter mit dem schlichten Hinweis auf „Anpassung 1“ und „Anpassung 2“.  Ausprobieren hat dann weitergeholfen. Bei C1 ist es möglich einen Standard-Bereich einzustellen und dazu einen plus-minus-Wert. Damit kann bei 70 +/-5 ein Zebramuster zwischen 65 und 75 % angezeigt werden. Bei mir hat das aber kein Interesse geweckt. Bei C2 hingegen ist es möglich eine „Untergrenze“ einzustellen, die sich bis auf einen Wert von 109+ einstellen lässt. Eine Aufnahme mit dem Maximalwert von 109+ führte im Bild zu einer Überbelichtung, die im RAW-Digger auch deutlich angezeigt wurde. Nach einigem hin und her habe ich mit der Einstellung von 106+ den perfekten Punkt für meine ETTR-Belichtung finden können. Das lässt sich wie immer im RAW-Digger sehr genau verifizieren. Sind die ersten Zebramuster im Sucher sichtbar, sind noch leichte Überbelichtungen vorhanden (manchmal von mir auch so erwünscht). Gehe in nun aber um eine drittel-Blende zurück, verschwindet das Zebramuster und die Aufnahme landet perfekt am Clipping-Punkt.

Im Kurs haben wir festgestellt, dass auch die Sony Alpha 7 III diese Menüeinstellungen bietet und damit sicher die gesamte Serie dieser Sony Kameras. Bei meiner kleinen Sony Alpha 6000 ist allerdings wieder bei 100+ Schluss. Schade. Bei einer anderen Teilnehmerin mit einer Fuji-Kamera war das anders und man konnte sich nur an den schwarz blinkenden Bildbereichen orientieren, die aber sehr nah am Clipping Punkt lagen (alles verifiziert direkt nach der Aufnahme im RAW-Digger). Andere Kamerahersteller haben sicher ebenfalls entsprechende Einstellmöglichkeiten. Hierzu sollte das Handbuch oder eine Suche im Internet weiterhelfen (oder ein Praxiskurs bei mir).

In der Bildergalerie unten sind die Einstellungen an der Kamera und die Ergebnisse aus dem RAW-Digger sichtbar. Und es gibt ebenfalls ein Video auf YouTube.

Hier ist das Video auf YouTube:

Es gibt für Photoshop auch Plugins, die mit einem Klick eine Einstellungsebene für D&B erstellen und die Pinsel entsprechend ihrem Zweck auswählen: weiß für abwedeln (dodge) und schwarz für das Nachbelichten (burn). Es können dabei entweder eine blanke Ebene oder eine Ebene mit einer 50 prozentigen grauen Fläche verwendet werden, die entweder in den Mischmodus „Weiches Licht“ oder „Ineinanderkopieren“ versetzt werden. Ich bevorzuge eine graue Ebene, da hier die Pinselstriche einfacher erkennbar sind als in einer blanken Ebene.

Eine weitere Variante ist die Verwendung von Gradationskurven mit schwarzer Maske im Ebenenmodus „Normal“. In einem Fall macht die Kurve eine Erhöhung der Helligkeit im Bild (dodge) im anderen Fall eine Abdunklung (burn). Aber für mich sind das normale Anpassungen, die während der Bildbearbeitung notwendig sind.

Eine echte Dodge&Burn Funktion hat aber Photoshop zusätzlich mit dem D&B-Werkzeug oder D&B-Tool, wie es auch genannt wird. Da ist aber zu beachten, dass dieses Werkzeug sinnvollerweise nur auf einer „Pixelebene“ eingesetzt werden sollte. Die Verwendung in einer Einstellungsebene wird zwar von manchen Plugin-Entwicklern propagiert, macht aber aus meiner Sicht keinen Sinn. Einige dieser Zusammenhänge zeige ich in meinem aktuellen YouTube-Video (s.u.). Für mich ist diese direkte Methode mit dem D&B-Werkzeug von Adobe eine häufig genutzte Funktion, die ich regelmäßig in meinen Luminanzmasken verwende. Dort zeigt sich sehr schnell und eindeutig die Auswirkung des Werkzeugbereiches bei den Lichtern, Mitteltönen und den Schatten. Je nach Einstellung der Belichtungsstärke kann ein Grauschleier entfernt werden, oder dunkle Bereiche zusätzlich abgedunkelt werden, um die Wirkung der Maske anzupassen.

Aber auch im Bereich des (fast) fertigen Bildes nutze ich es für letzte kleine Anpassungen der Tonwerte. Das ist dann der Zeitpunkt, der meine Erinnerung an die analoge Zeit wieder aufleben lässt. Letzte feine, kaum sichtbare Anpassungen im Bild, die mit anderen Techniken sonst nie zu erreichen wären.

Wenn ich in der Geschichte der Fotografie lese, wie bereits 1826 Nicéphore Nièpce seine nach 8 Stunden in einer Camera-Obscura belichtete Zinnplatte, die mit einem in Lavendelöl gelöstem Naturasphalt bestrichen war, entwickelt und verarbeitet hat, kann ich nur meine größte Anerkennung vor dieser Pionierleistung aussprechen. Da waren unsere diesbezüglichen Anstrengungen im Fotolabor der siebziger Jahre mit Vergrößerer und verschiedenen nassen Chemikalien geradezu ein Kinderspiel. Und heute mit Lightroom und Photoshop klingt selbst das alles nach Steinzeit. Während die Zinnplatte von Nicéphore Nièpce heute noch erhalten ist, sind meine Negative aus den sechziger Jahren nicht mehr vorhanden. Das wurde wohl bei den verschiedenen Umzügen als wertlos entsorgt. Heute würde ich mir diese Negative gerne noch einmal ansehen wollen. Die Erinnerung daran ist noch vorhanden von den Bildern vom Schulsportfest und den Landschaftsaufnahmen aus meiner Umgebung, aber diese Erinnerung mag ja auch ein wenig idealisiert sein und soll so auch bleiben.

Ab den siebziger und achtziger Jahren gibt es Aufnahmen, die ich alle sorgfältig in meinen Negativordnern archiviert habe und die inzwischen größtenteils auch digitalisiert sind. Diese Bilder und ab 2005 auch die Bilder aus digitalen Kameras sind die Basis für mein Buchprojekt. Entsprechend meiner Anzahl von Lebensjahren habe ich es unter den Titel „Siebzig Momente“ gestellt, obwohl natürlich nicht aus allen 70 Lebensjahren Bilder vorhanden sind und es natürlich mehr als nur siebzig Momente gibt, die erwähnenswert sind.

Downloads

Für digitale Medien ist für mich immer noch das .pdf-Format die erste Wahl. Ich habe auch mit dem Flash-Format von Adobe experimentiert. Damit könnte man sehr schön von Seite zu Seite blättern, aber in hoher Auflösung ist die Datei dann größer als 500 GB. Das ist für den download zu groß. Außerdem wurde gerade jetzt das Flash-Format von Adobe abgekündigt und wird in Zukunft durch HTML-Techniken ersetzt. Also gibt es für mein Buch auch diesmal eine PDF-Datei als E-Book, die man im Vollformat bequem durchblättern kann. Die Downloads befinden sich auf meiner Seite „meine-art-zu-sehen.de„. 

Gedrucktes Hardcover Buch (vergriffen)

Inzwischen ist auch die gedruckte Hardcover-Version des Buches verfügbar. Gedruckt wurde es in der Offsetdruckerei Karl Grammlich GmbH über buch.one. Das Ergebnis ist aus meiner Sicht wirklich phänomenal. Ich hatte vorher bereits ein Exemplar über fotobuch.de bestellt, wo ich bisher alle meine Fotobücher habe machen lassen. Ich muss sagen, da liegen noch Welten dazwischen. Es beginnt besonders bei den schwarzweiß Bildern, die hier wirklich schwarzweiß wiedergegeben werden. Bei fotobuch.de haben die Schwarzweißbilder einen Farbton, der an Sepia erinnert. Das zeigt am besten der direkte Vergleich, wenn die Bücher nebeneinander liegen. Auch das gedruckte Hardcover-Buch ist inzwischen vergriffen, aber ich arbeite an einer Neuauflage.

YouTube-Video zum Buch

Meine YouTube Seite mit dem Video zum Buch: https://www.youtube.com/watch?v=LTPlfDKwKS0