Ein lieber Fotofreund besuchte mich nach meiner OP und brachte Tulpen mit. Ich stellte sie in eine bauchige Keramikvase mit frischem Wasser. Zwei Stunden lang unterhielten wir uns bei Kaffee über viele Themen. Mein Bewegungsradius war noch eingeschränkt, aber mit dem Rollator kam ich zuhause gut zurecht. Schon am nächsten Tag reizte es mich, den Blumenstrauß zu fotografieren. So entstanden die ersten Fotos. Täglich beobachtete ich die Tulpen und ihre Blütenveränderungen. Als sich die ersten Stängel senkten, bemerkte ich, dass ich das Wasser nicht rechtzeitig nachgefüllt hatte. Doch bevor ich das tat, hielt ich die Szene im Sonnenlicht fotografisch fest. Mit frischem Anschnitt und ausreichend Wasser richteten sich die Stängel wieder auf.

Details und Experimente

Ich begann, Details zu fotografieren und mit Licht zu experimentieren. Im Nahbereich nutzte ich das Fuji-Objektiv GF 120mm F4 R LM OIS WR Macro bis zum Maßstab 1:2 und das Sigma 105mm F2,8 EX DG OS HSM Macro (mit Canon-Bajonett an der Fuji GFX 50S II) bis zu Maßstab 1:1. Etwa die Hälfte der Bilder entstand mit dem Fuji-Objektiv und der Fokusstacking-Methode, wobei ich mich auf 20 bis 30 Bilder pro Serie beschränkte, um den Eindruck von Unschärfe im Hintergrund zu bewahren. Mit dem Sigma-Objektiv konnte ich kein Fokusstacking machen, weil der Fringer Mount Adapter EF-GFX pro den Stacking-Modus nicht unterstützt. Meine Kamera Fuji GFX 50S II erlaubt Fokusstacking automatisch oder manuell. Ich habe hier im manuellen Modus die Einstellung auf 20 bzw. 30 Bilder gemacht und mit einer Schrittweite von 7 gearbeitet. Die Schrittweite ist ein Maß für die Veränderung des Fokuspunktes und hängt auch vom Abbildungsmaßstab ab. Leider fand ich hierzu keine detaillierten Informationen des Herstellers, weshalb ich selbst experimentieren musste. Als Intervall zwischen den Aufnahmen habe ich 1 Sekunde eingestellt.

Den von oben fotografierten Tulpenstrauß belichtete ich einmal als Stackingserie mit Oberlicht und ein weiteres Bild nur mit Licht von unten über die Leuchtplatte. In Photoshop überlagerte ich die Bilder im Mischmodus Luminanz, wodurch das Farbbild in Schwarzweiß überging.

Halbzeit und Ende

Das Bild des Straußes vor der Gardine am hellen Fenster bereitete ich in Photoshop als High-Key-Bild auf. Dabei nutzte ich den Detail Extractor und den High-Key-Modus von Nik. Auf dieser Basis folgte die SW-Umwandlung mit einem Profil von Jim Welninski für den Agfa APX 25. Ich fertigte einen Print auf Innova IFA 45 an, doch das Querformat überzeugte mich nicht. Ich wollte dem Strauß mehr Raum geben, hatte aber kein passendes Bild. Also ergänzte ich in Photoshop die „Leinwand“ nach oben zum Quadrat und füllte die Gardinen inhaltsbasiert auf. So gefiel es mir, und ich schickte es erneut zum Drucker.

Dass dieses Bild am Tag 8 die Halbzeit markierte, wusste ich damals nicht, da ich den Strauß weiter pflegte und die Veränderungen beobachtete. Nach 17 Tagen entstanden die letzten Bilder. Wer die Veränderungen der Blüten und Blätter nicht so genau wie ich beobachtete, hätte den Strauß wohl früher entsorgt und das Halbzeitbild verpasst. Doch gerade vor dem Ende konnte ich die Schönheit der intensiveren Farben und neuen Formen festhalten.

In meinem Archiv liegen nun etwa 130 bearbeitete Fotos. Weit über 1000 löschte ich, meist waren es die nicht mehr benötigten Zwischenschritte der Fokusstacking-Bilder. Für das Fokusstacking benutze ich Helicon Focus.

Hier ist nun die Galerie mit einer Auswahl der bearbeiteten Bilder. Meiner Beschreibung oben entsprechend sind einige Varianten in der Galerie enthalten, um den Weg zum fertigen Bild für den Ausdruck zu zeigen.

Durch die Spiegelung in der Glasscheibe und dem Licht-Schattenverlauf ist der linke Teil der Schrift kaum noch lesbar; das gilt besonders dann, wenn das Bild gedruckt werden soll. Vor Beginn unserer online Besprechung hatte ich keine Zeit mehr, um mich damit zu befassen, also musste ich während der Sitzung versuchen, das Beste daraus zu machen. Was hier notwendig ist, ist offensichtlich: eine Kontrasterhöhung des im Schatten liegenden Teil des Textes. Da aus meiner Sicht Lightroom zur Bearbeitung hierzu nicht geeignet erscheint, habe ich das gleich mit Photoshop in Angriff genommen. Zur Kontrasterhöhung ist eine Gradationskurve oder eine Ebene zur Tonwertkorrektur geeignet. Ich habe mich für die Gradationskurve entschieden, da diese eine gezieltere Anpassung der Ergebnisse erlaubt.

Bleibt noch die Auswahl der Schrift. Dazu habe ich schließlich zwei Varianten benutzt und diese dann sogar überlagert. Mit dem Plugin TK8 von Tony Kuyper lassen sich beide Methoden verwenden. Meine erste Idee war die Verwendung der Schaltfläche für eine Zonenmaske. Damit kann der Tonwert der kontrastarmen Schrift ausgewählt werden und durch zusätzliche Anpassungen bereits im Kontrast verstärkt werden. Wie im Video unten zu sehen ist, ist uns das auch ganz gut gelungen. Aber gereicht hat das noch nicht, wie nach der Ausgabe mit einer Gradationskurve ersichtlich wurde. Also musste diese Maske weiter bearbeitet werden, und zwar habe ich hierzu das Abwedler-/Nachbelichtungswerkzeug (D&B) von Photoshop benutzt. Das funktioniert in einer Maske besonders gut, weil der Bereich der Lichter, Mitteltöne und Schatten gezielt ausgewählt werden kann, um die Tonwerte der Maske anzupassen. Zum Thema dieses Dodge&Burn Werkzeugs von Photoshop gibt es auf meinem YouTube-Kanal ein eigenes Video.

Nach diesem ersten Versuch habe ich noch eine weitere Luminanzmaske auf Basis des Farbtons unternommen. Im Ausgangsbild ist ja ersichtlich, dass die Schrift im Schattenbereich leicht bläulich ist. Und es hat sich gezeigt, dass das eine gute Idee war. Der Kontrastunterschied war am Anfang zwar extrem gering, konnte aber mit den Reglern des TK8 Plugins sehr gut angepasst werden. Den letzten Rest hat dann wieder das D&B-Werkzeug aus Photoshop erledigt. Im Prinzip hätte bereits eine der zwei Methoden ausgereicht, um die Schrift wieder gut lesbar zu machen, aber zusammen war das Ergebnis einfach noch besser. Hierzu habe ich dann sogar die Ebenendeckkraft reduziert, damit es nicht übertrieben wirkt.

Bis das Bild dann wirklich fertig ist, sind aus meiner Sicht noch weitere Schritte notwendig geworden, die im Video auch zu sehen sind. Für mich sind das Standardroutinen, die ich je nach Erfordernis bei meinen Bildern mache. Bei diesem Bild war mir besonders der Weißabgleich wichtig, da neben der blauen Fassade des Hochhauses auch die ganze Basis des Bildes leicht bläulich eingefärbt war. Im Video sind hierzu zwei einfache Methoden gezeigt. Dann kommt natürlich auch eine Vignette (mit Korrektur) hinzu und auch eine Tonwertkorrektur, um unser Spektrum von 0 bis 255 zu erhalten. Und wer schon öfters zugeschaut hat, kennt auch meine Tonwertkorrektur zur Vermeidung von Clipping bei den tiefen und den hohen Tonwerten (fast so wie in der Musik).

Das Video kann direkt hier oder auf YouTube angesehen werden. Wer Interesse zur Teilnahme an meinen Workshops hat, kann mir eine Nachricht senden, dann kann ich eine Einladung weiterleiten.

Zu meinen analogen Zeiten habe ich Bilder ganz selbstverständlich im eigenen Fotolabor erstellt, insbesondere natürlich von meinen Schwarz-Weiß-Negativen. Den Umgang mit Farbbildern habe ich nur kurze Zeit ausprobiert, das dann aber den kommerziellen Dienstleistern überlassen. Ganz anders ist es heute in der digitalen Dunkelkammer. Nach anfänglicher rein digitaler Bearbeitung am PC mit Lightroom und Photoshop nutze ich seit nunmehr fast vier Jahren auch einen Epson SC-P600 Drucker für die Herstellung von Papierbildern. Der Zufall wollte es, dass ich den Drucker damals bei monochrom.com gekauft habe, wo ich bereits vor mehr als 40 Jahren auch viele Geräte, Papiere und Negative für meine Großformatfotografie erworben hatte. Zusammen mit dem Drucker hatte ich auch ein Paket des Papiers „Wetzlar II“ erworben, das normalerweise eher für Probezwecke verwendet wird. Das Papier hat lange gehalten, weil ich viele andere Papiere auch ausprobiert habe. Dann aber habe ich festgestellt, dass mir dieses Papier im Vergleich mit wirklich namhaften Herstellern sehr zugesagt hat. So habe ich nun eine größere Packung nachbestellt und dabei bin auch auf die japanischen Papiere der Firma Awagami gestoßen. Die Beschreibung und das Werbevideo von Awagami hat mir gut gefallen und deshalb habe ich auch hiervon ein Testpaket mitbestellt.

Awagami Testpaket mit 18 Papieren

Noch bevor ich mit dem Drucken auf diesem Papier begonnen habe, habe ich mir alle 18 Muster genau angesehen und abgetastet. Das war allein schon eine recht positive Erfahrung. Dann habe ich mir neben jedes Papier auch den Preis hingeschrieben. Die Packungen mit A4 haben 20, 10 oder nur 5 Blätter im Karton. Beim handgeschöpften „Bizan 200“ kostet dann jedes einzelne Blatt über 15 € (das war im Dezember 2021, jetzt im Januar 2022 kostet es bereits über 19 €). Da kam ich dann doch ins Grübeln: Welches Bild ist es wohl wert, auf ein derart edles Papier gedruckt zu werden. Dieser Gedanke hat mich dann die gesamte Zeit über begleitet, als ich mit den ersten Ausdrucken begonnen habe.

Druckereinstellungen

Eine Besonderheit war dann auch die Auswahl der Bilder für das jeweilige Papier. Begonnen hat es mit dem „Mitsumata White Double Layerd“, ein Papier, das nur 0,07 mm dick ist. Um gedruckt werden zu können, hat es eine zweite Schicht auf der Rückseite und kommt damit auf eine Grammatur von immerhin 95 g/m². Hier habe ich dann festgestellt, wie wenig ich meinen eigenen Drucker nach fast vier Jahren kenne. Denn bei allen Awagami Papieren ist neben der Grammatur auch die Dicke mit angegeben, die von 0,13 bis zu 0,68 mm reicht. Von meinen bisherigen Papieren kannte ich nur die Grammatur und habe dazu am Drucker nichts gefunden, was ich hierfür einstellen sollte. Da wurde mir bewusst, dass es mit diesen Papieren so nicht gehen konnte. Mir war klar, dass bei einem zu weiten Abstand der Druckdüsen vom Papier Unschärfen entstehen können und bei zu engem Abstand das Papier verschmiert sein würde (das zweite kannte ich bereits). Weder mit meiner Suchmaschine noch im Handbuch konnte ich zum Thema „Papierdicke“ brauchbare Hinweise finden. Aus dem Handbuch habe ich dann aber doch entnommen, dass der SC-P600 Papiere bis zur Kartonstärke von 1,3 mm bedrucken kann. Im Druckertreiber habe ich dann unter „Papierkonfiguration“ durch Probieren festgestellt, dass in das Feld Papierstärke nur Zahlen von 1 bis 13 eingegeben werden konnten. Jetzt verstand ich auch, dass mit der danebenstehenden Ziffer 0,1 wohl eine Multiplikation gemeint ist, die dann Werte zwischen 0,1 und 1,3 mm ergibt (die Kartonstärke). Damit konnte ich jetzt alle Papiere entsprechend richtig konfigurieren.

Bildauswahl

In meiner Vorauswahl in Lightroom hatte ich ca. 50 Bilder ausgewählt, die ich nun sehr sorgfältig in Photoshop neu bearbeitet habe und dabei die jeweilige Awagami Papiersorte im Blick hatte. Von allen Bildern wurden zunächst verschiedene Probekopien auf dem „Wetzlar II“ gemacht. Ich wollte hierbei immer erst feststellen, ob meine Tiefen und Lichter ausreichend klar wiedergegeben werden. Das hat nicht nur anfänglich, sondern auch bei den erst am Schluss gedruckten Bildern auf dem handgeschöpften „Bizan“ Papier viele Probekopien erfordert. Es war und ist eine unglaubliche Erfahrung, wie unterschiedlich die Darstellung am Monitor und auf dem Papier ist. Mit einem Bild vom Druidenhain mit sehr empfindlichen Lichtern und vielen dunklen Bereichen dachte ich am Monitor fertig zu sein und habe dann doch noch fünf weitere Probekopien benötigt, bis alle Stellen im gedruckten Bild korrekt durchgezeichnet waren. Eine Unbekannte ist dann auch noch das ICC-Profil. Die Probekopie ist ja für das Papier „Wetzlar II“ mit dessen ICC-Profil gemacht und jetzt kommt das Awagami ICC-Profil zum Einsatz. Hier habe ich aber nur ein einziges Mal einen Unterschied festgestellt, wo am Ende die Helligkeit sichtbar dunkler ausgefallen ist als bei der Probekopie. Das konnte ich aber natürlich nicht wiederholen, weil ich ja nur ein Testblatt je Papier hatte.

Das ist noch längst nicht alles, was es zum Druckvorgang und zu den Papieren zu sagen gibt. Hier ist erst mal meine Galerie der ausgedruckten Bilder (meine finalen Vorlagen). Am Ende werde ich noch meine Erfahrungen aus dem Druckvorgang ergänzen.

Hinweis zur Galerie: Die Bilder habe ich auf DIN A4 mit Rahmen gedruckt. Wenn ihr euren Browser in der Größe so einstellt, dass das Monitorbild einem Blatt A4 entspricht, bekommt ihr einen Eindruck von der tatsächlichen Größe des gedruckten Bildes. Aber natürlich wirkt das Bild im Vollbildmodus des Browsers noch imposanter.

Meine Erfahrungen beim Drucken

Schon beim ersten Papier (Mitsumata White Double Layered) gibt es die Besonderheit, dass dieses zweilagig ist, das heißt, dass das Deckblatt nach dem Drucken abgelöst werden kann und so ein Papier mit nur 0,07 mm Dicke vorliegt. Dieses Experiment habe ich noch vor mir. Als zweites Papier ist das „Kozo Double Layered“ ebenfalls zweilagig, wobei die Deckschicht hier nur noch 0,05 mm ist. Da wird die Präsentation dann noch einmal zur Herausforderung.

Die unterschiedliche Dicke als besonderes  Merkmal habe ich bisher nur bei diesen japanischen Papieren gesehen.  Bisher konnte ich mir nicht vorstellen, auf derart dünnem Papier zu drucken. Meine Einstellung war, und so wird sie auch von vielen Herstellern vermarktet, dass je dicker, desto besser ist. Hier habe ich meine Meinung nun grundlegend geändert.

Eine weitere Differenzierung ist die Papierfarbe: Hier gibt es „White“ und „Natural“. Die unten zusammengetragenen Informationen stammen von Verkäufer monochrom.com, wurden aber diesbezüglich von mir angepasst. Deren Beschreibungen waren in dieser Hinsicht meiner Meinung nach nicht korrekt. „White“ ist ein wirklich weißes Papier, währenddessen die „Natural“ Papiere einen cremefarbenen Ton haben, wie er auch bei anderen konventionellen Druckerpapieren der anderen Papierhersteller zu finden ist. Bei der Auswahl der Bilder habe ich deshalb bereits vorher darauf geachtet, dass Bild und Farbton des Papiers zusammenpassen. Das Papier Inbe „Thick White“ und die Bamboo 170 und 200 g/m² Papiere sind beidseitig bedruckbar, was ich ausprobiert habe. Hält man die Bilder gegen das Licht, sieht man nur einen leichten Versatz, der durch den Einzug im Drucker bedingt ist.

Die absolute Besonderheit stellen schließlich die handgeschöpften Papiere dar (auch hierzu waren die Angaben von Monochrom nicht immer korrekt: nur das Bizan ist handgeschöpft, die anderen sind maschinell gefertigt). Da braucht es dann schon Mut, diese Papiere in den Drucker einzulegen und das sorgsam dafür ausgewählte Bild darauf zu drucken. Die Einstellung der richtigen Papierdicke habe ich ja bereits erwähnt. Allerdings hat mit diesen Papieren nicht alles auf Anhieb geklappt. Der Drucker hat mir 10 Mal gemeldet, dass das Papier schräg eingezogen ist. Erst als ich den Büttenrand mit dem Rollenschneider begradigt hatte und das Papier exakt 210 mm breit war, hat es geklappt. Beim ersten Druck hatte ich als Papierdicke noch 0,5 mm eingestellt und dabei hat es trotzdem einige Schmierer gegeben. Beim zweiten Blatt habe ich dann 0,6 mm genommen, da war es dann diesbezüglich fehlerfrei. Trotzdem muss man sich an das Ergebnis auf diesem handgeschöpften Papier erst gewöhnen. Die Oberfläche ist relativ „wellig“ und fühlt sich weich an und nach dem Ausdruck hatte ich das Gefühl, dass die Tinte etwas verlaufen war. Die Bilder selbst waren mit einem partiellen Orton-Effekt bearbeitet und hatten damit schon vorher eine gewisse und auch gewollte Unschärfe, aber trotzdem war die Schärfe auf den Probedrucken deutlich höher als auf dem handgeschöpften Büttenpapier. Das ist wohl eine gewünschte Eigenschaft und kann besonders für künstlerische Umsetzungen genutzt werden. Aber hierzu braucht es sehr viel mehr Erfahrung mit diesem Papier, die man sich teuer erkaufen muss.

Eine letzte Besonderheit sind die beiden Papiere mit „Unryu“ im Namen. Bei diesen Papieren sind die Zellstofffasern im Papier sichtbar und überlagern sich mit dem ausgedruckten Bild. Das hat somit eine wirklich japanisch wirkende Anmutung. Im licht- und schattenreichen Bild der herbstlichen Baumgruppe in Schwarz-Weiß fällt dies im ersten Moment kaum auf (nur wenn man es weiß und danach sucht: siehe Durchlicht- und Auflichtbild im Vergleich). Im letzten, farbig gedruckten Bild auf dem Premio Unryu 165 (das ist nicht mehr transparent im Gegensatz zum vorherigen Unryu Thin 55 g/m²) mit den Zweigen und den Regentropfen sind die Strukturen deutlich sichtbar. Auf den ersten Blick hin könnte dies als störend empfunden werden, aber ich weiß es ja und habe das Bild extra hierfür ausgewählt. Ich sehe es deshalb als Bereicherung meiner Seherfahrung an.

Welche Papiere ich mir für weitere Studien besorge, habe ich noch nicht entschieden. Was ich am meisten schätze, war die Haptik bei der Berührung der Oberfläche; das wird wohl mein Hauptkriterium für die Auswahl werden. Bei der Papierfarbe werde ich mich sicher für das neutralere weiß entscheiden, obwohl mir die zusammengestellten Kombinationen für die naturweißen Papiere auch sehr gut gefallen haben.

Nachtrag 2022-01-09: Ich habe nun bestellt das Premio Kozo White, Premio Unryu und Bamboo 170 und 250.

Verwendete Papiere

(gemäß Angaben des Lieferanten, teilweise von mir angepasst)

1. AWAGAMI AIP Mitsumata White Double Layered 95 japanisches Seidelbast-Papier

Papierträger: 100 % Mitsumatafasern
Beschichtung: einseitig, cremeweiß
Flächengewicht: 90 g/qm, 0,18 mm (0,07 mm Deckblatt)
Samtweiches, trennbares, zweilagiges Papier
Vorderseite aus 100 % Mitsumata, Rückseite aus Zellstoff
Mitsumata Double Layered ist ein samtweiches, zweilagiges Papier. Die Vorderseite besteht aus 100 % Mitsumatafasern und die Rückseite aus Zellstoff. Die Lagen können nach dem Drucken leicht getrennt werden und eignen sich damit für besondere Transparenzeffekte, Schriftrollen und Kunstreproduktionen. Cremeweiß.

2. AWAGAMI AIP Kozo Thin White 70 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Klassisches Washi (Japan-Papier)
Mit natürlicher Anmut
Strapazierfähigkeit von Kozofasern
Dünn, aber sehr reißfest
Einseitig bedruckbar, Weiß, 70 g/qm, 0,16 mm
Kozo Thin White 70 ist ein klassisches Washi (Japan-Papier) mit der natürlichen Anmut und Strapazierfähigkeit von Kozofasern. Dünn, aber sehr reißfest. Einseitig bedruckbar.

3. AWAGAMI AIP Kozo Thin Natural 70 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Klassisches Washi (Japan-Papier)
Mit natürlicher Anmut
Strapazierfähigkeit von Kozofasern
Dünn, aber sehr reißfest
Einseitig bedruckbar, naturweiß, 70 g/qm, 0,16 mm
Kozo Thin Natural ist ein klassisches naturweißes Washi-Japan-Papier aus Maulbeerbaumrinde und besitzt die natürliche Anmut und Strapazierfähigkeit von Kozofasern. Für die Reproduktion von Foto- und Kunstdrucken, sowie asiatische Illustrationen und Kunstwerke. Ohne optische Aufheller.

4. AWAGAMI AIP Kozo Thick White 110 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Klassisches Washi (Japan-Papier)
Mit der Anmut und Strapazierfähigkeit von Kozofasern
Sehr reißfest
Einseitig bedruckbar
Weiß, 110 g/qm, 0,23 mm
Kozo Thick White ist ein klassisches Washi-Japan-Papier und besitzt die natürliche Anmut und Strapazierfähigkeit von Kozofasern. Sehr reißfest. Einseitig bedruckbar.

5. AWAGAMI AIP Kozo Thick Natural 110 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Klassisches Washi (Japan-Papier)
Mit natürlicher Anmut
Strapazierfähigkeit von Kozofasern
Dünn, aber sehr reißfest
Einseitig bedruckbar, Naturweiß, 110 g/qm, 0,23 mm
Kozo Thick Natural ist ein klassisches naturweißes Washi (Japan-Papier) aus Maulbeerbaumrinde, besitzt aber die natürliche Anmut und Strapazierfähigkeit von Kozofasern. Für die Fotografie, die Reproduktion von Kunstdrucken, sowie asiatische Illustrationen und Kunstwerke. Ohne optische Aufheller.

6. AWAGAMI AIP Kozo Double Layered 90 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Papierträger: 100 % Kozofasern
Beschichtung: einseitig, naturweiß
Flächengewicht: 96 g/qm, 0,18 mm (0,05 mm Deckblatt)
Samtweiches, zweilagiges, trennbares Papier
Vorderseite aus 100 % Kozofasern, Rückseite aus Zellstoff
Kozo Double Layered ist ein sehr besonderes, samtweiches, zweilagiges, trennbares Papier. Die Vorderseite besteht aus 100 % Kozofasern (Maulbeerbaum) und die Rückseite aus Zellstoff. Die Lagen können nach dem Drucken getrennt werden, und eignen sich für Schriftrollen und Kunstreproduktionen. Auch feucht verklebbar.

7. AWAGAMI AIP Inbe Thin White 70 japanisches Künstlerpapier

Mischung von Hanf- und Kozofasern
Mit filigraner Siebstruktur
Zweiseitig bedruckbar (–>kein Hinweis hierzu auf der Verpackung)
Weiß
Flächengewicht: 70g/qm, 0,15 mm
Inbe Thin White ist ein klassisches weißes Washi (Japan-Papier) aus Kozo (=Maulbeerbaumrinde) und Hanffasern mit einer filigranen Siebstruktur. Für die Reproduktion von Foto- und Kunstdrucken, sowie asiatische Illustrationen und Kunstwerke geeignet. Es wird auch für Buch- und Textseiten empfohlen.

8. AWAGAMI AIP Inbe Thick White 125 japanisches Künstlerpapier

Mischung von Hanf- und Kozofasern
Mit filigraner Siebstruktur
Für Buchseiten und Portfolios empfohlen
Beidseitig bedruckbar
Weiß, 125 g/qm, 0,23 mm
Inbe Thick White ist ein klassisches weißes, beidseitig bedruckbares Washi (Japan-Papier) aus Kozo (=Maulbeerbaumrinde) und Hanffasern mit einer filigranen Siebstruktur. Für die Reproduktion von Foto- und Kunstdrucken, sowie asiatische Illustrationen und Kunstwerke. Es wird außerdem empfohlen für Texte und Buchseiten.

9. AWAGAMI AIP Unryu Thin 55 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Japanisches Maulbeerbaumpapier
Weiches, klassisches Aussehen
Aus Kozofasern
Dünn, mit wolkenähnlicher Struktur
Einseitig bedruckbar, Weiß, 55 g/qm, 0,13 mm
Das Unryu Thin hat ein weiches, klassisches Aussehen mit einem wolkenähnlichen Muster aus sichtbaren Kozofasern. Dieses verstärkt den Charakter und die Dynamik eines traditionellen Japanpapiers. Geeignet u.a. für Schriftrollen, oder asiatische Zeichnungen.

10. AWAGAMI AIP Bamboo 110 japanisches Papier aus Bambusfasern

Feines, organisches Papier aus Bambusfasern
Höchste Ansprüche an Langlebigkeit und Archivierbarkeit
Einseitig bedruckbar, Weiß
Flächengewicht: 110g/qm, 0,25 mm
Bamboo Paper ist ein feines, organisches Papier für Künstler und Designer mit Vorteilen gegenüber Papier auf Baumwollbasis. Das Papier wird mit den höchsten Ansprüchen an Langlebigkeit und Archivierbarkeit aus natürlichen Bambusfasern hergestellt.

11. AWAGAMI AIP Bamboo 170 japanisches Papier aus Bambusfasern

Feines, organisches Papier aus Bambusfasern
Höchste Ansprüche an Langlebigkeit und Archivierbarkeit
Beidseitig bedruckbar, Weiß
Flächengewicht: 170g/qm, 0,35 mm
Bamboo Paper ist ein feines, organisches Papier für Künstler und Designer mit Vorteilen gegenüber Papier auf Baumwollbasis. Das Papier wird mit den höchsten Ansprüchen an Langlebigkeit und Archivierbarkeit aus natürlichen Bambusfasern hergestellt.

12. AWAGAMI AIP Bamboo 250 japanisches Papier aus Bambusfasern

Feines, organisches Papier aus Bambusfasern
Höchste Ansprüche an Langlebigkeit und Archivierbarkeit
Beidseitig bedruckbar, Weiß
Flächengewicht: 250g/qm, 0,5 mm
Bamboo 250 ist ein beidseitig bedruckbares, feines, organisches Papier für Künstler und Designer mit Vorteilen gegenüber Papier auf Baumwollbasis. Das Papier wird mit den höchsten Ansprüchen an Langlebigkeit und Archivierbarkeit aus natürlichen Bambusfasern hergestellt. Für Fotografie und Kunstdruck gleichermaßen geeignet.

13. AWAGAMI AIP Murakumo Kozo Select White 42 Maulbeerbaum-Papier

Typisches dünnes Washi (Japan-Papier)
Mit besonderer, transparenter Anmutung
Künstlerpapier
Einseitig bedruckbar
Weiß, 42 g/qm, 0,16 mm
Typisch japanisches Washi und weißes Künstlerpapier mit besonders urtümlicher Anmutung. Hergestellt aus 90 % Kozo-Fasern und 10 % Zellulose, hohe Festigkeit bei geringer Papierdicke. Für Wandbehänge und künstlerische Drucke mit natürlichem Charme.

14. AWAGAMI AIP Murakumo Kozo Select Natural 42 Maulbeerbaum-Papier

Typisches dünnes Washi-Japanpapier
Mit besonderer Anmutung
Sehr reißfest
Einseitig bedruckbar
Naturweiß, 42 g/qm, 0,16 mm
Typisch japanisches „Washi“ und neutral weißes Künstlerpapier mit besonders urtümlicher Anmutung. Hergestellt aus 90 % Kozo-Fasern und 10 % Zellulose, hohe Festigkeit bei geringer Papierdicke. Für Wandbehänge und künstlerische Drucke mit natürlichem Charme.

15. AWAGAMI AIP Bizan Natural Medium 200 japanisches Echt-Bütten-Papier

Feines, echtes Büttenpapier
Handgeschöpft, naturweiß
Mit echtem Büttenrand an allen 4 Seiten
Flächengewicht: 200g/qm, 0,48 mm
Traditionell handgeschöpftes, sehr wertvolles naturweißes Echt-Bütten-Papier aus einer Mischung von Kozo (=Maulbeerbaumrinde) – und Hanffasern, mit echtem (nicht künstlich produziertem) Büttenrand an allen vier Seiten. Einseitig bedruckbar.

16. AWAGAMI AIP Bizan White Medium 200 japanisches Echt-Bütten-Papier

Feines, echtes, sehr wertvolles Büttenpapier
Handgeschöpft
Mit echtem Büttenrand an allen 4 Seiten
Flächengewicht: 200g/qm, 0,48 mm
Traditionell handgeschöpftes, sehr wertvolles hochweißes Echt-Bütten-Papier aus einer Mischung von Kozo (=Maulbeerbaumrinde) – und Hanffasern, mit echtem (nicht künstlich produziertem) Büttenrand an allen vier Seiten. Einseitig bedruckbar.

17. AWAGAMI AIP Premio Kozo White 180 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Geglättete Oberfläche
Zweilagig und opak (auf meiner Probepackung gibt es bezüglich Zweilagigkeit keinen Hinweis; ebenfalls nicht auf der Originalverpackung, die ich inzwischen habe)
Einseitig bedruckbar
Weiß, 180 g/qm, 0,35 mm
Premio Kozo White ist ein geglättetes, zweilagiges(?) Papier und lässt sich exzellent mit hoher Auflösung bedrucken und weiter verarbeiten. Durch die Zweilagigkeit(?) und die damit verbundene bessere Opazität wird die Lebendigkeit der Farben und die Detailtreue vergrößert. Hinweis: auf meiner Probepackung gibt es keinen Hinweis, dass dies ein zweilagiges Papier ist.

18. AWAGAMI AIP Premio Unryu 165 japanisches Maulbeerbaum-Papier

Geglättetes Maulbeerbaumpapier
Für besonders hohe Druckauflösung
Aus Kozofasern
Mit wolkenähnlicher Struktur
Einseitig bedruckbar, Naturweiß, 165 g/qm, 0,31 mm
Premio Unryu ist ein geglättetes zweilagiges(?) Papier und lässt sich mit hoher Auflösung exzellent einseitig bedrucken und weiter verarbeiten. Das klassische Aussehen mit einem wolkenähnlichen Muster aus Kozofasern verstärkt den Charakter eines traditionellen Japanpapieres. Hinweis: auf meiner Probepackung gibt es keinen Vermerk, dass dies ein zweilagiges Papier ist.

Einladung

Ich finde die Bilder so wunderschön, dass ich euch alle gerne dazu einladen möchte, die Bilder bei mir anzuschauen und zu diskutieren. Ruft mich an oder schreibt mir eine E-Mail um einen Termin zu vereinbaren.

Gruß
Wilhelm

Jetzt sind auf der Webseite die neben der „Winners Gallery“ auch die „Winners Books“ und die „Winners Videos“ zu finden. Das Winners-Video habe ich unten verlinkt, die Galerie und die Bücher kann sich jeder der will direkt auf der Webseite ansehen.

Ich will aber hier auch einiges zur Entstehung des Bildes erzählen. Ich hatte mich im Dezember 2019 zu dem „Meetup“ von Andreas Jorns in Usedom angemeldet. Ein Treffpunkt mit nahezu 300 Fotografinnen und Fotografen. Grund für mich war meine eigene Verunsicherung, wo ich denn mit meinen Bildern stehe, ganz besonders mit meinen Arbeiten in schwarzweiß. Ich erhoffte mir hier in den Diskussionen eine Orientierung zu finden für meine eigene Arbeit. Es war schwer, weil die Gruppe schon relativ homogen war und am Bildstil eher bei den Bildern von Andreas Jorns angelehnt war. Aber die Vorträge, Diskussionen und „Shootings“ zeigten mir die hohe Begeisterung bei den anwesenden Teilnehmern. Das hat mir Motivation mit auf den Weg gegeben.

Das Bild von der Ostsee entstand am Anreisetag gegen Abend. Es begann zu regnen, aber ich habe mich auf den Weg zur Seebrücke gemacht, um wenigstens die Umgebung ein wenig zu erkunden. Ich muss dazusagen, dass wir nur ganz selten Urlaub am Meer gemacht haben und für mich deshalb das Meer immer eine neue Erfahrung darstellt. Der Regen wurde heftiger und die meisten Leute sind bereits schnellen Schrittes von der Seebrücke zurückgelaufen, während ich weiter gegangen bind und zwischendurch einige Bilder vom Meer und der Seebrücke gemacht habe. Am Ende der Brücke war ich dann ganz allein und bereits durchnässt aber ich hatte einen völlig freien Blick aufs Meer und den habe ich wieder mit fünf Bildern eingefangen. Einziges Gestaltungselement war der Horizont, den ich auch ein wenig hin und her geändert habe. Aber da war noch was! Der Regen, der mit großen Tropfen ins Wasser spritze und die Tropfen wieder aufsteigen ließ. Auf dem Bild selbst fast nur in der 100 % Auflösung zu erkennen, aber in meinem Gefühl während der Aufnahme präsent und dann wieder genauso bei der Entwicklung des Bildes zu Hause. Es gibt leider keine Historie zur Entwicklung des Bildes in Photoshop, weil ich am Ende alle Ebenen wieder zusammenklappe. Sollte ich tatsächlich das Bild wieder neu entwickeln wollen, so gehe ich davon aus, dass ich bis dahin wieder neue Vorstellungen vom Bild habe und sicher auch neue Fähigkeiten für die Umsetzung.

Zumindest ist unten zu sehen, dass das Bild mit ETTR gezielt bis an die Grenze zum Clipping belichtet wurde (ISO 100, 35 mm, f 5,6, 1/13 s). Eine Technik, die ich inzwischen mehrfach in meinen Workshops gezeigt habe. Mit einer solchen Belichtung ist es dann natürlich sehr viel einfacher, die gewünschten Tonwerte besonders in den hellen Bereichen bestens zu steuern.

So viel zur Technik, nun zu meiner Entscheidung, genau dieses Bild bei diesem anspruchsvollen Wettbewerb einzureichen. Wer sich die anderen Bilder ansieht, erkennt sicherlich die extrem hohe Qualität der gezeigten Fotografien. Wie kommt nun ein derart schlichtes Foto so weit nach vorne. Ich denke, die Geschichte steht bereits oben geschrieben: es sind die Gefühle, die ich in die Aufnahme gelegt habe und die ich auch bei der Ausarbeitung mit übernommen habe. Mir war bewusst, dass das vielleicht kein Siegerbild ist, das war mir aber völlig egal. Ich wollte, dass genau dieses Bild vor der Jury gezeigt wird, egal, was die vielleicht davon halten. Es war mein Bild mit meinen Gefühlen und bearbeitet mit meinen damaligen Fähigkeiten, das ich zur Wahl stellen wollte. Heute kann ich sagen, dass ich bei der Benachrichtigung nicht wirklich überrascht war, als ich den Bildtitel „Baltic Sea at Usedom“ gelesen habe. Da wusste ich, dass ich auf dem richtigen Weg bin mit meinen Bildern.

Hier nun das Video mit den Siegerbildern:

Wenn ich in der Geschichte der Fotografie lese, wie bereits 1826 Nicéphore Nièpce seine nach 8 Stunden in einer Camera-Obscura belichtete Zinnplatte, die mit einem in Lavendelöl gelöstem Naturasphalt bestrichen war, entwickelt und verarbeitet hat, kann ich nur meine größte Anerkennung vor dieser Pionierleistung aussprechen. Da waren unsere diesbezüglichen Anstrengungen im Fotolabor der siebziger Jahre mit Vergrößerer und verschiedenen nassen Chemikalien geradezu ein Kinderspiel. Und heute mit Lightroom und Photoshop klingt selbst das alles nach Steinzeit. Während die Zinnplatte von Nicéphore Nièpce heute noch erhalten ist, sind meine Negative aus den sechziger Jahren nicht mehr vorhanden. Das wurde wohl bei den verschiedenen Umzügen als wertlos entsorgt. Heute würde ich mir diese Negative gerne noch einmal ansehen wollen. Die Erinnerung daran ist noch vorhanden von den Bildern vom Schulsportfest und den Landschaftsaufnahmen aus meiner Umgebung, aber diese Erinnerung mag ja auch ein wenig idealisiert sein und soll so auch bleiben.

Ab den siebziger und achtziger Jahren gibt es Aufnahmen, die ich alle sorgfältig in meinen Negativordnern archiviert habe und die inzwischen größtenteils auch digitalisiert sind. Diese Bilder und ab 2005 auch die Bilder aus digitalen Kameras sind die Basis für mein Buchprojekt. Entsprechend meiner Anzahl von Lebensjahren habe ich es unter den Titel „Siebzig Momente“ gestellt, obwohl natürlich nicht aus allen 70 Lebensjahren Bilder vorhanden sind und es natürlich mehr als nur siebzig Momente gibt, die erwähnenswert sind.

Downloads

Für digitale Medien ist für mich immer noch das .pdf-Format die erste Wahl. Ich habe auch mit dem Flash-Format von Adobe experimentiert. Damit könnte man sehr schön von Seite zu Seite blättern, aber in hoher Auflösung ist die Datei dann größer als 500 GB. Das ist für den download zu groß. Außerdem wurde gerade jetzt das Flash-Format von Adobe abgekündigt und wird in Zukunft durch HTML-Techniken ersetzt. Also gibt es für mein Buch auch diesmal eine PDF-Datei als E-Book, die man im Vollformat bequem durchblättern kann. Die Downloads befinden sich auf meiner Seite „meine-art-zu-sehen.de„. 

Gedrucktes Hardcover Buch (vergriffen)

Inzwischen ist auch die gedruckte Hardcover-Version des Buches verfügbar. Gedruckt wurde es in der Offsetdruckerei Karl Grammlich GmbH über buch.one. Das Ergebnis ist aus meiner Sicht wirklich phänomenal. Ich hatte vorher bereits ein Exemplar über fotobuch.de bestellt, wo ich bisher alle meine Fotobücher habe machen lassen. Ich muss sagen, da liegen noch Welten dazwischen. Es beginnt besonders bei den schwarzweiß Bildern, die hier wirklich schwarzweiß wiedergegeben werden. Bei fotobuch.de haben die Schwarzweißbilder einen Farbton, der an Sepia erinnert. Das zeigt am besten der direkte Vergleich, wenn die Bücher nebeneinander liegen. Auch das gedruckte Hardcover-Buch ist inzwischen vergriffen, aber ich arbeite an einer Neuauflage.

YouTube-Video zum Buch

Meine YouTube Seite mit dem Video zum Buch: https://www.youtube.com/watch?v=LTPlfDKwKS0

LOS ANGELES 2019-10-14 – Amateur photographer Wilhelm Kleinöder of Germany was presented with the 14th Annual Black and White Spider Awards Nominee title in the category of Portrait at a prestigious Nomination & Winners PhotoShow streamed Saturday, October 12, 2019.

The live online gala was attended by industry leaders and the photography community from around the globe who logged on to watch the climax of the world’s premier event for black and white photography. 14th Annual Jury members included captains of the industry from Musee de l’Elysee, Lausanne; The Guardian, London; Contrasto Galleria, Milan; Travel/Discovery Channel, New York; Harper’s Bazaar, UK; Portuguese Center of Photography, Porto; Aeroplastics Contemporary, Brussels; Silvan Faessler Fine Art, Zurich; ADK Creative One Inc., Tokyo; Galerie Hubert Winter, Vienna; Conny Dietzschold Galleries, Sydney; and Pereira O’Dell in New York who honored Spider Fellows with 758 coveted title awards and 909 nominees in 32 categories.

„I have been a juror of many photography contests throughout my professional career, this is my first time at Black & White Spider Awards, and I am stunned. The amazing quality of the images in the competition made it very difficult to select the winners. I would like to reinforce the relevance and impact of Black & White Spider Awards as a mobilizing agent in promoting the production and dissemination of excellent photography at an international level.“ Said juror Bernardino Castro, Director at Portuguese Center of Photography (CPF), Porto. Raquel Duarte, Senior Art Producer at Pereira O’Dell, New York added, „Amateur photographers were as impressive as the professional group. I was emerged and consumed in the quality of the imagery.“

„It’s an incredible achievement to be selected among the best from the 6,418 entries we received this year“ said Basil O’Brien, the awards Creative Director. „Wilhelm Kleinöder’s „Rosi and Walter 1987 – 2016″, an exceptional image entered in the Portrait category, represents black and white photography at its finest, and we’re pleased to present him with the title of Nominee.“

BLACK AND WHITE SPIDER AWARDS is the leading international award honoring excellence in black and white photography. This celebrated event shines a spotlight on the best professional and amateur photographers worldwide and honors the finest images with the highest achievements in black and white photography. www.thespiderawards.com

Unser wichtigstes Werkzeug zur Beurteilung ist das Histogramm in der Kamera. Weil dieses aber nur auf der Basis eines jpeg Bildes basiert, verwenden wir am PC zur Analyse den RawDigger, der uns das wahre Raw Histogramm anzeigt.

Perfekte Belichtung

Am ersten Abend hatten wir einige Beispiele von mir angesehen und besprochen. Ich werde zwei typische davon hier zeigen, um die vom RawDigger angezeigten Werte besser verstehen zu lernen.

Die Aufnahme entstand am frühen Morgen. Die Sonne schiebt sich gerade über den Rand des Horizontes. An der Kamera hatte ich gerade auf den „Highlight“ Modus umgeschaltet (wird in den Metadaten als „other“ angezeigt). Diesen Modus nehme ich seit einiger Zeit immer, wenn ich die Sonne direkt im Bild habe. Die Belichtung ist perfekt gelungen; nur wenige Pixel sind über der Sättigungsgrenze. Der Dynamikumfang reicht von -12 bis +3 und hat damit den Sensor mit 15 EV vollständig ausgenutzt. Praktisch nutzbar ist aber nur der Bereich von +3 bis ca. -5 oder -6 (also ca. 8 bis 9 EV). Im Raw Konverter (Lightroom, Camera Raw, …) lässt sich dieses Bild leicht bearbeiten, da alle Tonwerte vorhanden sind.

Unterbelichtung

Diese zweite Aufnahme entstand unmittelbar nach dem vorigen Bild. Ich hatte mich nur um 180° gedreht und in die Gegenrichtung fotografiert. Die Kamera stand aber noch im Messmodus „Highlight“. Da aber hier keine helle Lichtquelle wie die Sonne im Bild ist, ist dieser Messmodus hierfür nicht geeignet. Ich hätte auf „Multi“ umstellen müssen. Die Konsequenzen sind im Histogramm überdeutlich sichtbar:

Der maximale Tonwert im zweiten Grünkanal liegt bei 3042 (von 16384 verfügbaren Tonwertstufen). Das sind weniger als 20 % der verfügbaren Tonwerte! Durch die logarithmische Darstellung im ersten Diagramm hat man den Eindruck, dass es ja gar nicht so viel ist. Das liegt daran, dass hier die EV-Werte linar mit gleichem Abstand angezeigt werden. Die Belichtung ist aber nicht linear, sondern verdoppelt oder halbiert sich mit jedem Blendenwert, den wir an der Kamera nach oben oder unten verstellen. Im zweiten Diagramm ist diesmal die x-Achse mit den Tonwerten linear dargestellt und damit ist die EV-Werte Skala so dargestellt, wie sie tatsächlich ist. Da sieht man nun die Fehlbelichtung sehr deutlich.

Beispielbild von Ulrike Wiese

Das Bild entstand mit einer Fujifilm X-T10. Diese Kamera verwendet einen „Fujifilm-X-Trans-Sensor“, der vom üblichen Bayer Muster wesentlich abweicht. Die unterschiedliche Farbverteilung des Sensors im Vergleich zum Bayer Sensor ist auf der Wikipedia Seite zu sehen. Ein Farbpunkt auf dem Fujifilm Sensor besteht aus 3×3=9 Pixeln. Trotzdem werden im RawDigger nur drei Kanäle angezeigt (Begründung muss ich offen lassen). Beim Bayer Sensor sind es 2×2 Pixel. Hier werden wie oben gesehen alle vier Kanäle im RawDigger angezeigt.

Im RawDigger sehen wir, dass die Belichtung auch hier wieder perfekt gelungen ist. Eingestellt war an der Kamera „Multi Segment“ mit einer Erhöhung um 2/3 Blenden. Lediglich wenige Pixel in den Deckenleuchten liegen über der Sättigungsgrenze, was hier jedoch nichts Negatives ist. Die dunklen/mittleren Tonwerte wurden von der Ulrike so weit wie möglich angehoben, um dem Bild einen hellen Charakter zu verleihen. In den scheinbar schwarzen Flächen erkennt man noch sehr gut die Details.

Beispielbild von Konrad Römer

Nach Angabe von Konni wurde bei dem Bild mit dem Spotmeter direkt in die Sonne gemessen. Ich wäre da vorsichtig, um nicht den Belichtungssensor zu schädigen. Aber genau weiß ich es nicht. Ohne Belichtungskorrektur nach einer solchen Messung wird das Bild stark unterbelichtet, was ja sofort sichtbar wird. Es wäre bei der Belichtung auf die Sonne eine Korrektur von +4 bis +5 Blendenwerten notwendig gewesen. Im Raw-Histogrann ist auch bei beiden Bildern deutlich sichtbar, dass nur eine sehr geringe Überbelichtung vorhanden ist. Wenn direkte Sonne im Bild ist, darf das durchaus sehr viel mehr sein.

Beispielbild von Heiderose Detsch

Am zweiten Abend machten wir zuerst einige Beispielbilder vom Pflaster vor dem Haus. Ich habe bewusst ein kontrastarmes Motiv gewählt, anhand dessen wir drei unterschiedliche Belichtungen beurteilen wollten. Ich hatte in Bodennähe eine Belichtungsmessung mit dem Handbelichtungsmesser gemacht. Dabei waren ISO 200 eingestellt, da einige Kameras erst hier beginnen. Das ergab 1/60 s bei f/2,8. Geplant waren weitere 2 Aufnahmen mit 1/30 s bei f/2,8 und 1/15 s bei f/2,8 um die Belichtung weiter nach rechts zu verschieben. Heiderose hatte aber ihre erste Aufnahme im Modus „Blenden Priorität“ gemacht und die ISO Einstellung stand auf Auto. Hierfür belichtete die Kamera mit ISO 360 und 1/60 s bei f/2,8. Die nächsten Aufnahmen entstanden zwar im manuellen Modus mit 1/30 s und 1/15 s bei f/2,8, aber da ISO weiter auf Auto stand hat die Kamera die veränderte Belichtungszeiten mit niedrigeren ISO Einstellungen (160 bzw. 125) kompensiert. Trotzdem zeigen sich interessante Ergebnisse.

Die Panasonic DMC-FZ1000 hat einen 12 Bit Sensor, der pro Kanal 4096 Tonwerte wiedergeben kann. Der Messmodus an der Kamera war auf „Multi Segment“ eingestellt. Damit hat die Kamera bei allen drei Bildern nahezu perfekte Belichtungen erzeugt. Die erste und zweite Aufnahme sind nur ca. 1/6 Blende vom Sättigungspunkt entfernt und die dritte Aufnahme erreicht mit 3954 Tonwerten nahezu das theoretische Maximum von 4096 Werten.

Die Raw Entwicklung in Lightroom ist bei allen drei Bildern völlig problemlos, aber trotzdem gibt es erkennbare Unterschiede. Im Vergleich zur mittleren Aufnahme mit ISO 160 hätte die dritte Aufnahme mit ISO 80 erfolgen müssen, was die Kamera aber nicht kann (Standardeinstellung ist ISO 200). Deshalb ist die dritte Aufnahme um ca. 2/3 Blendenstufen heller belichtet. Im Histogramm von Lightroom kann man das sehr deutlich sehen (Vergleich der ersten Aufnahme mit der dritten; noch nicht entwickelt).

Betrachtet man die Bilder bei 100 % auf dem Monitor, ist im ersten Bild deutliches Rauschen sichtbar, während im dritten Bild davon nichts zu erkennen ist. Also maximale Belichtung nach rechts in den Bereich, in dem viele Tonwerte (hier 2048 von den 4096 des Sensors) differenziert werden können, lohnt sich.

Beispielbild von Bernhard Frischkemuth

Die Aufgabe war wieder gleich wie vorher, aber trotzdem gab es ein Kommunikationsproblem, da Bernhard nicht mitbekommen hat, dass die Blenden-/Zeiteinstellungen von 1/60 s, 1/30 s und 1/15 s jeweils bei Blende f/2,8 für ISO 200 gelten sollten. Er hat aber mit ISO 100 im manuellen Modus fotografiert (da hätte er aber 1/30 s, 1/15 s und 1/8 s einstellen müssen). Damit hat er im Vergleich zu den Bildern von Heiderose eine Unterbelichtung von einer Blendenstufe. Der Vergleich der drei Bilder im RawDigger zeigt denn auch deutlich die Unterbelichtung um eine Blende in der letzten Aufnahme. Im Bild 1 mit 1/60 s beträgt die Unterbelichtung insgesamt 3 Stufen, im zweiten Bild mit 1/30 s nur noch zwei Stufen und bei der dritten Belichtung mit 1/15 s noch eine Stufe. In allen drei Bildern sind aber weitere Peaks zum rechten Rand hin zu erkennen. Dies habe ich bisher noch nirgendwo so gesehen und habe im Moment auch keine Erklärung dafür.

Betrachtet man in Lightroom das Histogramm des unentwickelten Bilder, ist auch hier die Unterbelichtung deutlich zu sehen. Der Vergleich zeigt das Bild 1 mit 1/60 s und das Bild 3 mit 1/15 s jeweils bei Blende 2,8.

Betrachtet man das Bild in Lightroom nach einer automatischen Entwicklung, so sieht man bei einer Vergrößerung auf 100 % deutliche Qualitätsunterschiede zwischen dem dunkelsten Bild und dem hellsten (1/15 s Blende f/3,0). Obwohl das Bild immer noch um eine Blendenstufe vom Sättigungspunkt entfernt ist, ist die Qualität erkennbar deutlich besser. Die Aufnahmen wurden ohne Stativ gemacht, deshalb ist der Schärfepunkt und der Ausschnitt nicht identisch. Aber man sieht bessere Kontraste und einen deutlich klareren Bildeindruck im zweiten Bild. Das ist der Unterschied.

Nun, auf meine-art-zu-sehen.de habe ich ausschließlich Beiträge mit meinen Bildern und mit meiner „Art zu sehen“ veröffentlicht. Es sind im letzten Jahr aber immer mehr Beiträge über die von mir angeregten Aktivitäten wie Fototouren und Lightroom Kurse hinzu gekommen. Das hat nicht wirklich zur Seite gepasst und ich musste manchmal einige Verrenkungen machen, um die Seite lesbar zu halten.

Das ändert sich hiermit. Hier kann ich alle weiteren Aktivitäten einfach in den laufenden Blog schreiben und nach der Veranstaltung ein wenig darüber berichten. Und das natürlich auch mit den Bildern der Teilnehmer. Nachgefragt wurde das schon lange und so haben wir auch schon mal die Webseite des SNE dafür her genommen. Jetzt habe ich hier einen Platz eingerichtet, der für alle Teilnehmer offen ist; sicher auch mal für persönliche Beiträge einzelner Teilnehmer.