Ich begann mit der Fotografie im Alter von zehn Jahren, als ich erste Aufnahmen auf Rollfilm in einer Agfa Box machte. Obwohl aus den 1960er-Jahren keine Bilder mehr existieren, erinnere ich mich lebhaft an Motive wie Klassenkameraden und Landschaften. Mein Weg führte danach vom Kleinbildfilm mit Schwarz-Weiß- und Farbmaterialien bis hin zum Großformat 8×10 Inch, das ich ab 1987 nutzte. Die analogen Techniken, die ich dabei erlernte, prägen bis heute meine Arbeit mit digitalen Kameras und in der Bildbearbeitung.

In der Kleinbildzeit stand die Schwarz-Weiß-Fotografie im Mittelpunkt. Sie bot mir die volle Kontrolle über den gesamten Prozess und lenkte den Fokus auf Licht, Kontraste, Formen und Linien. Diese Reduktion schärfte meinen Blick und half mir, eine eigene Bildsprache zu entwickeln. Ich testete Filme und Entwickler ausgiebig, später auch chromogene Schwarz-Weiß-Filme, die im C-41-Prozess entwickelt wurden. Alterungserscheinungen einiger Negative zwangen mich, frühzeitig zu digitalisieren. Parallel dazu sammelte ich Erfahrungen mit Fotopapieren und Abzugstechniken. Einige meiner Arbeiten wurden ausgestellt und ausgezeichnet.

Die intensive Beschäftigung mit Schwarz-Weiß-Fotografie führte mich zu den Klassikern der Fotogeschichte, insbesondere Ansel Adams und Edward Weston. Ihre Werke inspirierten mich, auf das Großformat umzusteigen, das maximale Kontrolle über Belichtung, Entwicklung und Abzug ermöglicht. Workshops bei Peter Gasser und Bob Werling sowie zahlreiche Tests halfen mir, ein eigenes System zu entwickeln. Präzise Lichtmessung und eine durchdachte Arbeitsweise erlaubten es mir, unterschiedlichste Lichtsituationen sicher umzusetzen. Meine Motive wählte ich bewusst: Natur, Stillleben und Szenen aus meinem persönlichen Umfeld.

Die digitale Technik hat inzwischen Sensoren hervorgebracht, die die Qualität von Kleinbildfilmen übertreffen. Mit hochwertigen Objektiven und sorgfältiger Arbeit lässt sich ein Niveau erreichen, das dem Großformat nahekommt. Die digitale Bildbearbeitung ist dabei ein unverzichtbares Werkzeug. Sie erfordert fundierte Softwarekenntnisse und regelmäßige Übung, um das volle Potenzial auszuschöpfen.

Analoge Fotografie heute – im Jahr 2025

Mit acht Jahren Erfahrung in der Schwarz-Weiß-Kleinbildfotografie und weiteren acht Jahren im Großformat verstehe ich, warum viele heute zur analogen Fotografie zurückkehren möchten. Dennoch rate ich davon ab, basierend auf meinen fast 25 Jahren mit digitalen Kameras und Bildbearbeitung. Die Gründe sind klar:

– Digitale Negative bieten eine deutlich höhere Qualität als analoge Kleinbildfilme.
– Die Kosten für analoge Fotografie sind erheblich höher.
– Die Möglichkeiten der digitalen Dunkelkammer sind nahezu unbegrenzt und hängen nur von der eigenen Kreativität ab.
– Alle Aufnahmedaten werden in den Metadaten gespeichert.
– Bilder können in Museumsqualität selbst gedruckt werden.

Mein Selbstversuch

Anfang des Jahres wagte ich einen Selbstversuch: Ich belichtete zwei analoge Filme mit meiner alten Olympus OM-2. Zu meiner Überraschung funktionierte die Kamera nach 40 Jahren einwandfrei – die Knopfzelle hielt noch immer. Das wäre bei einer heutigen Digitalkamera undenkbar. Ich begann mit einem Ilford XP2 400 Schwarz-Weiß-Film, den ich in einem Labor entwickeln ließ, da ich keine eigene Ausrüstung mehr besitze. Mir wurde schnell klar, dass ich von diesem Film nur TIFF-Dateien mit einem monochromen Kanal erhalten würde. Daher bestellte ich zusätzlich einen Kodak Ektar 100 Farbfilm, dessen TIFF-Dateien im RGB-Modus umfangreicher bearbeitet werden können. Die Entwicklung und die hochauflösenden Scans ließ ich bei „MeinFilmLab“ anfertigen. Die Kosten waren im Vergleich zur digitalen Fotografie enorm.

Wer meine anderen Beiträge kennt, weiß, dass ich ein Verfechter des Zonensystems von Ansel Adams bin. Doch mit Kleinbildfilmen ist dieses System nicht umsetzbar. Hier muss man eine durchschnittliche Belichtung wählen, um das Tonwertspektrum im fertigen Bild zu erhalten. Beim Ilford XP2 400 beschränkte sich die Bearbeitung in Lightroom und Photoshop auf einfache Eingriffe wie Abwedeln und Nachbelichten – ähnlich wie im analogen Labor. Mit dem Kodak Ektar 100 stand mir hingegen das volle Spektrum der digitalen Bearbeitung zur Verfügung. Dennoch bleibt ein entscheidender Unterschied: Ein digitales Negativ ist eine RAW-Datei mit dem gesamten Tonwertumfang der Aufnahme. Ein gescanntes Negativ hingegen ist bereits ein Pixelbild, dessen Qualität von der Scannerauflösung und den Einstellungen des Labormitarbeiters abhängt. Wer diesen Prozess selbst kontrollieren möchte, muss zusätzlich in teure Ausrüstung investieren.

Mein Selbstversuch zeigte nur die halbe analoge Fotografie, da ich den Prozess nach der Belichtung aus der Hand geben musste. Danach folgte ein weitgehend digitaler Workflow mit Lightroom und Photoshop. Dennoch war es ein besonderes Erlebnis, das sanfte Klicken der analogen Kamera zu hören und den Verschluss vor jedem Auslösen manuell zu spannen.

Meine Empfehlung für analoge Fotografie

Wer sich für analoge Fotografie begeistert, dem rate ich zum Großformat – am besten gleich 8×10 Inch. Der Vorteil: Man behält die volle Kontrolle über den Prozess. Ein Kontaktabzug genügt, um ein fertiges Bild zu erhalten, das ohne Vergrößerungsapparat an die Wand kann. Zudem lässt sich Ansel Adams’ Zonensystem vollständig nutzen, um feinste Details in Schatten und Lichtern herauszuarbeiten. Literatur und Tipps dazu finden Sie reichlich, auch auf meiner Webseite.

Wer diesen Weg einschlagen will, sollte einen Workshop besuchen, das nötige Material besorgen und gründlich testen. Die Hürden sind hoch, doch sie lohnen sich: Das Ergebnis überzeugt. Wem dieser komplexe Weg zu aufwendig erscheint, dem empfehle ich zumindest einen Color-Negativ-Film. Nach dem Scannen stehen drei Farbkanäle für die digitale Bearbeitung in Lightroom und Photoshop bereit.

Meine Bildbeispiele

Um analoge und digitale Fotografie zu vergleichen, habe ich bei meinen Aufnahmen mit der Olympus-Kamera auch die Fuji GFX50S II genutzt. Dabei hielt ich Brennweite, Bildausschnitt und Betrachtungswinkel so ähnlich wie möglich. Zuerst zeige ich die analogen und digitalen Aufnahmen im Vergleich, ergänzt durch 100- und 200-Prozent-Ausschnitte. Der Qualitätsunterschied der digitalen Bilder wird dabei schnell deutlich. Zusätzlich habe ich einige Aufnahmen – analoge und digitale – künstlerisch in Schwarzweiß und Farbe umgesetzt.

Analoge SW-Negative wie der Ilford XP2 400 besitzen nur einen Graustufenkanal, lassen sich aber – wenn auch eingeschränkt – in Photoshop bearbeiten. Deshalb schaltet man sie besser vom Graustufen- in den RGB-Modus um. Das empfehle ich generell für gescannte Schwarzweiß-Aufnahmen. Mit der Umstellung auf den ProPhotoRGB-Farbraum, der mit 16 Bit einen größeren Dynamikumfang bietet, erreicht man die beste Bearbeitungsqualität. Öffnet man farbige TIFF-Dateien, fragt Photoshop ebenfalls nach einer Umwandlung – diese sollte man stets bestätigen. Den Unterschied im Dynamikumfang erläutere ich im nächsten Kapitel.

Dynamikumfang und Clipping

Digitale Aufnahmen belichte ich grundsätzlich „nach rechts“ (ETTR: Exposure to the Right), um den maximalen Tonwertumfang zu nutzen. Das erkläre ich ausführlich auf meiner Webseite und in meinen YouTube-Videos. Bei analogen Negativen belichtet man hingegen auf die Schatten, um dort Zeichnung zu erhalten, und entwickelt auf die Lichter. Das funktioniert im Zonensystem von Ansel Adams, jedoch nicht bei Kleinbildfilmen, die auf mittlere Belichtung und standardisierte Entwicklung ausgelegt sind.

Um den Dynamikumfang meiner Aufnahmen zu prüfen und Clipping zu erkennen, nutze ich seit Jahren das Programm RawDigger (rawdigger. com). Gescannte TIFF-Bilder lassen sich dort nicht direkt öffnen, sondern müssen erst in ein digitales Negativ (. dng) umgewandelt werden. Das gelingt über den Export in Lightroom.

Wandle ich die TIFF-Dateien ohne Bearbeitung in das DNG-Format um, zeigt RawDigger den Dynamikumfang der gescannten Negative. Bei meinen Bildern lag er bei etwa 9 bis 10 EV-Werten – ein sehr guter Wert. Schwarzweiß-Bilder enthalten dabei nur einen Grauwert-Kanal, ohne hinterlegtes Profil oder Farbraum. Farbige Bilder haben den Farbraum sRGB und drei Farbkanäle.

Spannend wird es, wenn man die Bilder in Photoshop öffnet und in den ProPhotoRGB-Arbeitsfarbraum konvertiert. Dann erreichen sowohl Schwarzweiß- als auch Farbbilder einen Dynamikumfang von bis zu 16 EV-Werten. Das ermöglicht extreme Bearbeitungen, ohne die Bildqualität zu beeinträchtigen.

Bei einem Stillleben fiel mir Clipping in den Lichtern der Blüten auf. Vermutlich entstand es schon bei der Aufnahme, auch wenn veränderte Scannereinstellungen es vielleicht verhindert hätten. Die Standardentwicklung des Films lässt solche Details verschwinden. Der Glaube, Filme seien in den Lichtern gutmütig und bewahrten dort die Tonwerte, ist ein Irrtum. Nur eine gezielte Belichtung der Schatten und eine Entwicklung auf die Lichter nach Ansel Adams’ Zonensystem könnten das vermeiden – und das gelingt nur im Großformat mit Einzelnegativen.

Hier zeige ich einige Bilder, um die technischen Details zu veranschaulichen. Weitere Aufnahmen mit meiner Olympus-Kamera finden Sie im Beitrag: https://meine-art-zu-sehen.de/schritt-fuer-schritt/. In den Metadaten unter den Bildern steht dann „SP-3000“ – das war der Scanner.

Hier gehts zu meinem YouTube Video:

Im monatlichen Workshop zu Lightroom und Photoshop haben wir ein Bild von Ulrike Wiese bearbeitet – eine Mehrfachbelichtung direkt in der Kamera. Dabei entstanden durch die Leuchtplatte helle Streifen, wo sich die Aufnahmen überlagerten. Mein erster Versuch, das Bild während des Workshops passend zu bearbeiten, war nicht ganz erfolgreich. Deshalb habe ich versprochen, ein neues Video zu erstellen. Dieses Video ist nun fertig und auf meinem YouTube-Kanal verfügbar (Link unten).

Photoshop-Experimente

Wie immer bestand mein erstes Ziel darin, das Bild so vorzubereiten, dass die Grundeinstellungen für weitere Schritte stimmen. Hier störten mich die bläulichen Streifen, die ich mit zwei Ebenen entfernen konnte.

Danach folgten Experimente in Photoshop: Zuerst eine Schwarz-Weiß-Umsetzung mit einem weichen Profil (Polaroid 663 H) aus meiner Sammlung. Anschließend habe ich eine Farbmaske aus dem Originalbild erstellt und sie mit dem Plugin von Tony Kuyper als „Mask to Pixels“ ausgegeben.

HSB-Farbauszug

Vor einiger Zeit habe ich eine Aktion entwickelt, die aus einem Bild einen HSB-Farbauszug erstellt. Die Idee dazu stammt von Jim Welninski, dessen Online-Kurse ich vor Jahren besucht habe. Um den Vorgang besser zu verstehen, wollte ich jedoch eine eigene Aktion erstellen. Zunächst bat ich ChatGPT um Hilfe, doch die Vorschläge der KI führten nicht zum Ziel. Nach mehreren Tagen brach ich ab, analysierte stattdessen Welninskis Einstellungen selbst und entwickelte daraus die nötigen Aktionen.

Ein Farbauszug dient normalerweise dazu, ein Bild zu analysieren, störende Farben zu erkennen und zu entfernen. Der HSB-Farbauszug besteht aus drei Ebenen, die sich wieder zum Originalbild zusammensetzen: „Hue“ (Farbton), „Saturation“ (Sättigung, Mischmodus „Negativ multiplizieren“) und „Brightness“ (Helligkeit, Mischmodus „Multiplizieren“).

Die „Hue“-Ebene nutze ich jedoch auch gern für Experimente – so auch hier. Mit verschiedenen Mischmodi und in Kombination mit meiner Vorlage aus den Schwarz-Weiß-Experimenten entstand schließlich das finale Bild.

Die Aktionen und das bearbeitete Bild von Ulrike Wiese mit allen Schritten stehen kostenlos auf meiner Downloadseite bereit. Hier ist das YouTube-Video:

Für die Bildauswahl habe ich 39 Fotos aus dem letzten Jahr zusammengestellt, eine Mischung aus Farb- und Schwarzweißaufnahmen. Ein Bild habe ich komplett neu bearbeitet, damit es besser in die Serie passt. Die finale Auswahl und die Reihenfolge der Bilder im Jahresverlauf habe ich mit Ursula abgestimmt. Das Kalendarium gestalte ich immer selbst, weil mir die vorgefertigten Vorlagen der Verlage nicht zusagen. Zwar bleiben die Tage von 1 bis 30/31 gleich, doch die Wochentage verschieben sich jedes Jahr. Um die Sonntage mit einer größeren Schrift hervorzuheben, passe ich die Zahlen individuell an. Dabei schleichen sich leicht Fehler ein. Auch diesmal fiel mir im letzten Moment eine Verschiebung auf, die ich noch korrigieren musste. Deshalb habe ich die Druckdatei ein zweites Mal hochgeladen.

Meine Bildergalerie zeigt das Deckblatt und die zwölf Kalenderbilder. Eine PDF-Datei enthält den gesamten Kalender. Wer möchte, kann sie hier herunterladen und sich selbst einen Kalender drucken lassen.

Ein Blutmond entsteht, wenn die Erde bei einer totalen Mondfinsternis genau zwischen Sonne und Mond steht wie sie am 7. September 2025 zu sehen war. Der Erdschatten bedeckt den Mond vollständig, während die Erdatmosphäre das Sonnenlicht bricht. Nur die langwelligen roten Lichtanteile erreichen den Mond und verleihen ihm seine charakteristische Farbe.

Das Ereignis im September 2025

Am 7. September 2025 war der Blutmond in Deutschland sichtbar. Der Mond ging bereits verfinstert auf und leuchtete dadurch besonders rot. Solche Ereignisse sind selten: Die nächste totale Mondfinsternis in Deutschland wird erst am 31. Dezember 2028 stattfinden.

Mondaufnahmen im Juni

Schon im Juni suchte ich einen Ort mit freier Sicht, um den Mond am „Exer“ (Naturschutzgebiet Exerzierplatz) zu fotografieren. Am 12. Juni 2025 nahm ich den Vollmond als Leuchtspur über der Landschaft auf. Dafür belichtete ich zweimal je eine Stunde. Zunächst wählte ich Blende f/11, stellte nach der ersten Aufnahme jedoch auf f/16 um, da der Mond heller wurde. Es war beeindruckend zu sehen, wie stark seine Leuchtkraft in kurzer Zeit zunahm. Selbst die Schatten von Kamera und Stativ zeichneten sich deutlich am Boden ab.

In Photoshop kombinierte ich die Aufnahmen im Mischmodus „Hartes Licht“, was die Leuchtspur optimal hervorhob. Für die Landschaft fügte ich eine weitere Ebene im Modus „Normal“ hinzu und blendete den Himmel mit einer Maske aus. Mithilfe der KI-Funktionen von Photoshop entstanden zudem experimentelle Bilder, die durch spontane Maskierungsfehler interessante Ergebnisse lieferten.

Vorbereitung auf den Blutmond

Mit der App „The Photographer’s Ephemeris“ (TPE) ermittelte ich den genauen Zeitpunkt und Winkel des Mondaufgangs. Doch graue Wolken am Horizont verzögerten die Sicht auf den Blutmond um eine halbe Stunde. Alle Aufnahmen entstanden mit einem 500-mm-Spiegelteleobjektiv von Olympus, das ich über einen Adapter an meine GFX-Kamera anschloss. Das Objektiv hat eine feste Blende von f/8 und erfordert manuelles Fokussieren – eine Herausforderung bei Dunkelheit, da jede Bewegung am Fokusring das Bild zittern lässt.

Meine erste Aufnahme des Blutmondes machte ich mit ISO 100 und 25 Sekunden Belichtungszeit. Doch die lange Belichtung ließ den Mond unscharf erscheinen, da er sich währenddessen weiterbewegte. Ich erhöhte den ISO-Wert auf 6400 und reduzierte die Belichtungszeit auf eine Sekunde. Diesmal wollte ich den Mond nicht als Leuchtspur, sondern in einzelnen Positionen festhalten. Ich begann unten links im Bild und ließ ihn im Abstand von je einer Minute durch das Bild wandern. Da die Bilder unterbelichtet waren, erhöhte ich den ISO-Wert schrittweise auf 102400, was die Bildqualität zwar beeinträchtigte, aber die Belichtung verbesserte.

Während der Mond aus dem Erdschatten trat und heller wurde, passte ich den ISO-Wert schrittweise wieder nach unten an: von 102400 auf 6400, 1600, 400 und schließlich zurück auf ISO 100. In den folgenden Serien, die den zunehmenden Mond zeigten, reduzierte ich die Belichtungszeit von einer Sekunde auf eine halbe, eine Viertel-, Achtel-, Fünfzehntel- und schließlich eine Dreißigstel Sekunde.

Herausforderungen und Technik

Die schnelle Anpassung der Kameraeinstellungen bei Dunkelheit und unter Zeitdruck erfordert Erfahrung. Besonders die Technik des „Belichtens nach rechts“ (ETTR) half mir, die Belichtungszeit präzise zu steuern. Sobald das Histogramm Überbelichtungen anzeigte, reduzierte ich die Belichtung um eine Drittelblende. Auf meiner Webseite erkläre ich diese Technik ausführlich und biete dazu persönliche Schulungen an.

Bildbearbeitung

In Photoshop fügte ich die Serien im Mischmodus „Hellere Farbe“ zusammen. Überstrahlte Bereiche maskierte ich und belichtete sie nach, um ein gleichmäßiges Ergebnis zu erzielen. Bei den Serien mit dem vollen Mondumfang wählte ich bei der Überlagerung einen Abstand von zwei Minuten zwischen den Aufnahmen, bei der Mondsichel einen von einer Minute. Um die Dateigröße zu verkleinern, reduzierte ich die Arbeitsstapel am Ende auf eine Ebene. Die Originalbilder sind ja noch da, sodass ich die Bearbeitung bei Bedarf wiederholen kann.

Leporello gestalten

Seit Langem drucke ich meine Bilder selbst, meist in A4, sodass ich sie direkt an die Wand hängen kann. Ebenso lange lese ich die Essays von Eddie Ephraums in der Fotozeitschrift B+W. Mit seiner Erfahrung im Buchdruck zeigt er dort monatlich, wie man kleine Fotobücher selbst gestaltet. Vor Kurzem habe ich mich davon inspirieren lassen und mein erstes Leporello entworfen – eine Serie über Callas (Bericht folgt). Das heutige Leporello ist mein zweites Projekt in dieser Richtung. Mein Drucktemplate habe ich auf DIN A3+ angepasst, für die Buchdeckel nutze ich Buchbinderpappe und Fotoleinwand im A4-Format. Ich stehe noch am Anfang, habe aber schon viel gelernt. Und das Beste: Solche kleinen Büchlein bereiten nicht nur anderen Freude, sondern auch mir.

Galerie Leuchtspur

Galerie Blutmond

Ein lieber Fotofreund besuchte mich nach meiner OP und brachte Tulpen mit. Ich stellte sie in eine bauchige Keramikvase mit frischem Wasser. Zwei Stunden lang unterhielten wir uns bei Kaffee über viele Themen. Mein Bewegungsradius war noch eingeschränkt, aber mit dem Rollator kam ich zuhause gut zurecht. Schon am nächsten Tag reizte es mich, den Blumenstrauß zu fotografieren. So entstanden die ersten Fotos. Täglich beobachtete ich die Tulpen und ihre Blütenveränderungen. Als sich die ersten Stängel senkten, bemerkte ich, dass ich das Wasser nicht rechtzeitig nachgefüllt hatte. Doch bevor ich das tat, hielt ich die Szene im Sonnenlicht fotografisch fest. Mit frischem Anschnitt und ausreichend Wasser richteten sich die Stängel wieder auf.

Details und Experimente

Ich begann, Details zu fotografieren und mit Licht zu experimentieren. Im Nahbereich nutzte ich das Fuji-Objektiv GF 120mm F4 R LM OIS WR Macro bis zum Maßstab 1:2 und das Sigma 105mm F2,8 EX DG OS HSM Macro (mit Canon-Bajonett an der Fuji GFX 50S II) bis zu Maßstab 1:1. Etwa die Hälfte der Bilder entstand mit dem Fuji-Objektiv und der Fokusstacking-Methode, wobei ich mich auf 20 bis 30 Bilder pro Serie beschränkte, um den Eindruck von Unschärfe im Hintergrund zu bewahren. Mit dem Sigma-Objektiv konnte ich kein Fokusstacking machen, weil der Fringer Mount Adapter EF-GFX pro den Stacking-Modus nicht unterstützt. Meine Kamera Fuji GFX 50S II erlaubt Fokusstacking automatisch oder manuell. Ich habe hier im manuellen Modus die Einstellung auf 20 bzw. 30 Bilder gemacht und mit einer Schrittweite von 7 gearbeitet. Die Schrittweite ist ein Maß für die Veränderung des Fokuspunktes und hängt auch vom Abbildungsmaßstab ab. Leider fand ich hierzu keine detaillierten Informationen des Herstellers, weshalb ich selbst experimentieren musste. Als Intervall zwischen den Aufnahmen habe ich 1 Sekunde eingestellt.

Den von oben fotografierten Tulpenstrauß belichtete ich einmal als Stackingserie mit Oberlicht und ein weiteres Bild nur mit Licht von unten über die Leuchtplatte. In Photoshop überlagerte ich die Bilder im Mischmodus Luminanz, wodurch das Farbbild in Schwarzweiß überging.

Halbzeit und Ende

Das Bild des Straußes vor der Gardine am hellen Fenster bereitete ich in Photoshop als High-Key-Bild auf. Dabei nutzte ich den Detail Extractor und den High-Key-Modus von Nik. Auf dieser Basis folgte die SW-Umwandlung mit einem Profil von Jim Welninski für den Agfa APX 25. Ich fertigte einen Print auf Innova IFA 45 an, doch das Querformat überzeugte mich nicht. Ich wollte dem Strauß mehr Raum geben, hatte aber kein passendes Bild. Also ergänzte ich in Photoshop die „Leinwand“ nach oben zum Quadrat und füllte die Gardinen inhaltsbasiert auf. So gefiel es mir, und ich schickte es erneut zum Drucker.

Dass dieses Bild am Tag 8 die Halbzeit markierte, wusste ich damals nicht, da ich den Strauß weiter pflegte und die Veränderungen beobachtete. Nach 17 Tagen entstanden die letzten Bilder. Wer die Veränderungen der Blüten und Blätter nicht so genau wie ich beobachtete, hätte den Strauß wohl früher entsorgt und das Halbzeitbild verpasst. Doch gerade vor dem Ende konnte ich die Schönheit der intensiveren Farben und neuen Formen festhalten.

In meinem Archiv liegen nun etwa 130 bearbeitete Fotos. Weit über 1000 löschte ich, meist waren es die nicht mehr benötigten Zwischenschritte der Fokusstacking-Bilder. Für das Fokusstacking benutze ich Helicon Focus.

Hier ist nun die Galerie mit einer Auswahl der bearbeiteten Bilder. Meiner Beschreibung oben entsprechend sind einige Varianten in der Galerie enthalten, um den Weg zum fertigen Bild für den Ausdruck zu zeigen.

Der Druidenhain ist ein etwa einen Hektar großes Waldstück in der Fränkischen Schweiz, das von eindrucksvollen Felsformationen geprägt ist. Die Felsblöcke, die zwei bis fünf Meter hoch sind, sind in nordwest-südöstlicher Richtung angeordnet. Der Name „Druidenhain“ stammt aus dem späten 19. Jahrhundert und weckt Assoziationen an eine keltische Kultstätte, obwohl es keine wissenschaftlichen Belege für eine solche Nutzung gibt. Möglicherweise ist der Name eine romantische Erfindung. Einige Experten vermuten, dass der Druidenhain ein eingestürztes Höhlensystem oder ein alter Steinbruch ist. In einer Erzählung wird er mit dem Raubritter Eppelein von Gailingen und angeblichen Hexenritualen in Verbindung gebracht, aber dies ist historisch unbestätigt. 

Für uns Fotografen ist der Druidenhain zu jeder Jahreszeit ein beliebtes Ziel. Diese kleine Serie entstand im Mai 2019, noch vor der Corona-Pandemie. Das Thema hat mich auch zu Hause zum Experimentieren angeregt. Vermutlich liegt es an dem mysteriös anmutenden Namen, der mich zu diesen Verfremdungen inspiriert hat.

Vergessen und wiederentdeckt

Überraschende Bildumsetzungen 

Anfang September fand in Forchheim das dreitägige Fotofestival „Fotopark“ statt. Im Stadtpark Forchheim präsentierten Fotografen großformatige Bilder. Weitere Ausstellungen zeigten Werke von F.C. Gundlach und Andreas Jorns in der Kaiserpfalz sowie von Anouchka Olszewski in der Stadtbücherei. Viele der Fotografen waren anwesend und erläuterten auf der Bühne ihre Arbeitsweise. Abends fanden Multimediashows statt.

Ein Highlight war der dreistündige Fotowalk durch Forchheim mit einem Stadtführer, der Zugang zu sonst unzugänglichen Bereichen ermöglichte. Besonders interessant für mich war der Workshop „Schwarzweiß in der Natur – Die Konzentration auf das Wesentliche“ mit Anouchka Olszewski und Peter Giefer. Dies war mein erster Workshop, den ich je besuchte, obwohl ich normalerweise selbst Workshops leite und YouTube-Videos erstelle.

Workshop Schwarzweiß in der Natur

Der Workshop begann mit einer Stunde Theorie, gefolgt von zwei Stunden praktischer Fotografie zu bestimmten Themen und einer abschließenden Bildbesprechung. Die Theorie entsprach nicht meinen Erwartungen. Die Aussage, dass ein Schwarzweiß-Foto nur 256 Farben hat, und die gezeigten Bilder, die lediglich entsättigte Farbbilder waren, überzeugten mich nicht. Auch der Hinweis, die Kamera direkt auf Schwarzweiß einzustellen, erschien mir nur für Anfänger geeignet. Die Qualität von Handyfotos im Vergleich zu Vollformatkameras wurde ebenfalls diskutiert, was aus meiner Sicht wenig relevant war.

Praxis

Im Praxisteil erhielten die fünf Teilnehmer verschiedene Aufgaben, die sie in jeweils etwa 20 Minuten erledigen sollten. Die Themen waren:

– Natur in der Stadt (Bezug von Natur und Stadt sollte erkennbar sein)
– Strukturen
– Tote Natur
– Dreiecke (häufigste Form in der Natur)

Die Aufgaben waren verständlich und am Veranstaltungsort umsetzbar.

Bildbesprechung

Jeder Teilnehmer wählte ein Bild zur Diskussion aus. Da ich meine 200 Bilder erst auf den Rechner übertragen musste, wählte ich in Eile ein Bild aus, konvertierte es in Lightroom in Schwarzweiß und reichte es weiter. Die Bildbesprechung verlief routinemäßig, wobei fotografische Regeln wie der goldene Schnitt thematisiert wurden. Mein Ziel ist es jedoch, diese Regeln zu vergessen und mich auf Inhalte und Gefühle zu konzentrieren.

Bildbearbeitung

Die Bildbearbeitung war im Workshop nicht vorgesehen, was verständlich ist, da dies ein umfangreiches Thema ist. Zuhause bearbeitete ich die Bilder nach meinen Vorstellungen. Die Ergebnisse sind in der Bildergalerie zu sehen und bedürfen keiner weiteren Erläuterung. Die oben genannten Themen sind sofort erkennbar und können bei Interesse leicht nachgemacht werden. Dazu „Gut Licht“.

Diese Frage beschäftigte mich in den letzten Wochen. Anlass war ein Webinar zum „Zonensystem in der digitalen Fotografie“, für das ich mich angemeldet hatte. Doch was hier zu hören war und auch weitere Recherchen zu diesem Thema brachten wenig Erfreuliches zutage. Schnell wurde klar, dass die Autoren das Zonensystem nach Ansel Adams offensichtlich nie selbst angewendet hatten. Ich hingegen habe es jahrelang praktiziert, viele Großformatbilder im 8×10″-Format belichtet, entwickelt und Abzüge hergestellt. Auch in der digitalen Fotografie habe ich einige Jahre Erfahrung und glaube daher, dass ich einen Versuch wagen kann, die Möglichkeiten des analogen Zonensystems in die digitale Welt zu übertragen. Dabei zeigt sich, dass beide Welten grundverschieden sind und entsprechend unterschiedlich betrachtet werden müssen. Dennoch enthält das analoge Zonensystem von Ansel Adams bereits Elemente, die auch in der digitalen Fotografie entscheidend sind.

Für meine Fotofreunde im Seniorennetz Erlangen habe ich einen Kurs vorbereitet und gehalten. Aus dem Feedback habe ich mein Skript ergänzt und ein YouTube-Video auf meinem Kanal veröffentlicht. Das Skript kann für einen geringen Betrag von meiner Downloadseite heruntergeladen werden (für meine Kursteilnehmer kostenlos).

Neben dem ausführlichen Skript, gibt es inzwischen auch eine kurze Zusammenfassung (im Download enthalten); dazu wird es demnächst auch noch ein kurzes YouTube-Video geben.

Zusammenfassung meiner Überlegungen

Analoger Film

Ansel Adams prägte eine Ära mit seinen Bildern, die auf seinem Zonensystem basierten. Das Zonensystem besteht aus einem Graukeil mit 11 Zonen von 0 bis X. Zone Null repräsentiert reines Schwarz, Zone X reines Weiß. Der Referenzpunkt ist Zone V mit einem Grauwert von 18 % Reflexion. Die Zonen I bis IX liegen jeweils eine Blendenstufe voneinander entfernt.

Adams entwickelte sein Zonensystem, um Negative so zu belichten und zu entwickeln, dass sie jeden Motivkontrast auf Papier mit normaler Gradation wiedergeben. Viele Fotografen folgten seinem Beispiel.

Auch ich erlernte diese Technik durch Workshops bei Peter Gasser und Bob Werling, die mit Adams zusammenarbeiteten. Jeder Fotograf muss eigene Testreihen für einen Film durchführen, um die Belichtung zu optimieren. Adams beschreibt Zone I als „Near black, no detail. Effective threshold. First step above complete black in the print. Slight tonality, but no texture.“

Mein persönliches Zonensystem zeigt wichtige Grenzwerte für den Filmtest. Der Negativfilm reagiert nicht linear, daher ist es entscheidend, das Material gut zu kennen, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. Es gibt nur eine korrekte Belichtung und Entwicklung für jede Lichtsituation, um einen Print mit allen Tonwerten zu erstellen.

Digitales Zonensystem

Zu Beginn meiner digitalen Fotografie war mir das analoge Zonensystem vertrauter als der digitale Sensor. Die Software „RawDigger“ half mir, ein korrektes Histogramm meiner Dateien zu erhalten. Besonders die Messung der Lichter am rechten Rand war entscheidend.

Es wurde mir klar, dass der digitale Sensor so belichtet werden muss, dass die wichtigen Lichter nicht überbelichtet werden. Der mittlere Grauwert wird heute anders definiert als im analogen System. Der Graupunkt liegt bei 12,5 %, das sind 3 Lichtwerte unterhalb des Sättigungspunkts.

Der Sensor muss korrekt bis zum rechten Rand belichtet werden (ETTR), um den gesamten Tonwertumfang einzufangen. Das Raw-Histogramm ist hierbei entscheidend. Die Anwendung des Zonensystems auf die digitale Welt erfordert ein Umdenken von der analogen Denkweise. Nicht die dunklen Tonwerte sind entscheident, sondern die hellen Tonwerte am rechten Rand.

Fazit

Ansel Adams würde heute das digitale Zonensystem nutzen, um die Lichter optimal zu belichten. Die Qualität des finalen Prints steht im Fokus. Es ist wichtig, das Bild korrekt bis zum rechten Rand (ETTR) zu belichten. Am linken Rand (dunkle Tonwerte) hängt es vom Dynamikbereich des Sensors ab, ob die gewünschten Tonwerte in ausreichendem Maß vorhanden sind. Hier kann der Fotograf leider nichts mehr selbst festlegen, wie es im analogen Zonensystem der Fall war. Diese ergeben sich von selbst und sind nur über die Belichtung am rechten Rand beeinflussbar. Je weiter nach rechts belichtet wird, desto weiter rücken auch die dunklen Zonen nach rechts. Das Verständnis des Zonensystems kann Fotografen dabei helfen, ihre Belichtung zu verbessern. „Gut Licht“ für alle Fotografen auf ihrem Weg zur perfekten Belichtung.

Wilhelm

Im Rahmen unseres Kursprogramms im Senioren Netz Erlangen habe ich im Januar eine zweistündige Schulung (online) gemacht. Für mich war dieses Thema die bisher größte Herausforderung bei fotografischen Themen. Meine Recherchen und Themensammlungen haben mehr als 6 Monate gebraucht. Aber ich denke, dass es sich für alle Teilnehmer am Workshop gelohnt hat hier mitzumachen. Den Workshop habe ich als Zoom-Meeting aufgezeichnet und nun dieses Video ein wenig aufbereitet, damit ich es bei YouTube online stellen kann.

Script zum Kurs

Wie immer habe ich ein Script mit 27 Seiten erstellt, das die Teilnehmer alle erhalten haben. Auf meiner Downloadseite kann das Script kostenlos heruntergeladen werden.

Praxiskurs Tonwerte in der Fotografie

Am 25.05. gab es einen weiteren Praxiskurs zu diesem Thema, wo ich wieder meine Erfahrungen im Umgang mit den Tonwerten in Lightroom und Photoshop gezeigt habe. Hier ist nun wieder die Azfzeichnung, die ich aber Aufgrund von Anregungen der Teilnehmer ein wenig überarbeitet haabe.

Das war wieder ein interessanter Lightroom/Photoshop-Workshop diese Woche. Da waren Fragen zum TK8-Plugin zu „Darks/Lights-Triple Play“, zu der Behandlung von nahezu ausgebrannten Details in Wolken und die Frage, wie sich bei SW-Bildern der Himmel bestmöglich abdunkeln lässt. Auf diese Frage hatte ich mich schlecht vorbereitet und habe deshalb im Anschluss ein kleines YouTube-Video erstellt (ist unten verlinkt). Hier will ich die Schritte für Lightroom und Photoshop noch einmal kurz zusammenfassen.

Himmel abdunkeln in Lightroom

Im Grunde genommen ein einfacher Schritt bei der Schwarzweiß-Umwandlung von Bildern. Im Video zeige ich das anhand meiner selbst erstellten SW-Profile für eine Vielzahl bekannter analoger Filme und habe in diesem Beispiel den „Rollei IR 400“ gewählt. Von diesem bekannten Infrarotfilm weiß ich, dass er sehr hohe Kontraste liefert und auf Reglereinstellungen gut anspricht. Im Vorfeld des Videos habe ich aber gleich gute Ergebnisse mit dem „Rollei Retro 80s“, dem „Agfa APX 25“ und sogar mit einer schlichten „Schwarzweiß“-Einstellung aus dem Adobe Vorgaben Menü erzielt. Der meist blaue Himmel lässt sich in allen Fällen mit dem „Blau“ Regler aus dem schwarzweiß Menü sehr gut abdunkeln. Mit ein wenig weiteren Anpassungen aus dem Kalibrierung-Menü lässt sich, wie im Video gezeigt, der Rest wie gewünscht ergänzen. Wer meine SW-Profile möchte, kann sich die von dieser Seite  herunterladen (meine-schwarzweiss-profile).

Beispiel mit Wolken

Ein zweites Bild von Ulrike war mit zusätzlichen Wolken im Himmel, die aber erhalten werden sollten. Dieses Bild ist nicht im Video gezeigt, weshalb ich hier kurz darauf eingehen will. Auch hier nicht zu vergessen, den Bild-Modus in Photoshop von 8 auf 16 Bit umzustellen, auch wenn das Bild dann mehr als doppelt so viel Speicherplatz benötigt. Hier zeigt sich dann doch der Vorteil von Photoshop. Mit den verschiedenen Ebenen (layer) lassen sich gezielt die kritischen Bereiche einzeln optimal in Helligkeit und Tonwert anpassen. Der letzte Feinschliff erfolgt am Ende mit Dodge&Burn bei vorab ausgewählten Helligkeitsbereichen über eine Maske. Das ist Tonwertsteuerung vom Feinsten.

In Lightroom habe ich für dieses Bild das Profil „Rollei Ortho 25“ verwendet und konnte über die Reglereinstellung bei Schwarzweiß, Kalibrierung und in den Grundeinstellungen schon ziemlich viel erreichen. Mit einer letzten Anpassung über die Gradationskurve konnte ich dann auch gute Schwarzwerte erzielen, aber die Bearbeitung in Photoshop ist doch besser geworden. Wer eine Kopie meiner Bearbeitungen mit allen Ebenen in Photoshop bzw. den Reglereinstellungen in Lightroom haben möchte, kann sich gerne an mich wenden (Kontaktseite). Für die Lightroom Bearbeitung muss dafür aber das entsprechende Profil aus meiner Sammlung auf eurem Rechner verfügbar sein.

Vergleich der LR/PS Bearbeitung

YouTube Video